Todas las guerras son obscenas; como también es obscena la indiferencia o, que el mundo se levante, con la noticia de que los grandes grupos financieros y empresarios, aquellos que clamaban por las maravillas absolutas del libre mercado (mientras se forraban), ruegan hoy por la necesidad de la intervención del Estado, que se traduce en: ¡Dennos dinero que no queremos ir a la bancarrota!
Entonces miramos la tele, los carteles en el metro y vemos la felicidad constante, reflejada en juventud, esbeltez y, claro está, en ese poder para comprar cosas. La artista neoyorquina Martha Rosler ha creado un universo, en donde toda esta futilidad se denuncia como un grito, o un puño en la mesa. La indiferencia cotidiana, alojada en la (super) vivencia, la vanidad y el confort.
.Hooded captives.
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Rosler es considerada como una pionera del arte conceptual feminista, y aunque muchos son los soportes a los que ha recurrido, destacan sus trabajos en collage y fotos-textos. En ellos indaga con ojo más que crítico, acerca de la semiótica de la femineidad contemporánea. Su implicación política no titubea ante temas como la ocupación en el Chile de Allende o las ocurridas más recientemente en Irak y Afganistán.
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Invasión (2008).
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Personas con las piernas amputadas aparecen en un fortísimo contraste en escenarios idílicos de hogares cálidos y bien decorados: una contentísima ama de casa limpia sus muebles en el palacio bombardeado de Saddam; las imágenes, casi siempre brutales, de la guerra se superponen de manera chocante, con las sonrisas de los modelos de anuncios, felices de obtener el último grito de teléfonos móviles. Los mandatarios posan sonrientes ante sus despropósitos.
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Saddam's Palace
En una de las más incisivas aparece la imagen de la militar Lynndie England, aquella que posó junto y sobre cuerpos de los presos desnudos de Abuh Ghraib, en una cocina moderna e impoluta en la que en todo momento se asoma referencias de esta acción vergonzosa y que solo le valió tres años de prisión a la misma.
Photo Op (2008).
Sí, la vanidad como medio de idiotización, el camino más corto al ensimismamiento y por tanto al egoísmo, que apuesta por que nos mantengamos ocupados por estar bellos y apoltronarnos en nuestros sofás, mientras el mundo afuera, se nos viene encima.
Election.
Para ver un interesante vídeo acerca del trabajo de la artista en The New York Times.
.La directora Kimberly Peirce y Ryan Phillippe en pleno rodaje.
La directora y guionista Kimberly Peirce (Harrisburg, Pennsylvania, 1967), quien fuera reconocida por Boys don't cry (1999), estrenó este año Stop Loss (titulada en los circuitos de cines españoles, uno nunca sabe por qué, como Ausente). Con casi una década de distancia, esta directora reaparece con un drama bélico, que se inicia con el regreso a casa del sargento Brandon, después de haber combatido en Iraq. Brandon es interpretado por el joven Ryan Phillippe, quien deja poco espacio para la convicción interpretativa y mucho más para sus pectorales o su cara linda y monocorde.
.Stop loss es un término bastante desconocido, que la directora pone en el tapete, el cual se basa sobre el derecho que tiene el ejército norteamericano para llamar nuevamente al frente, a soldados que ya han terminado su servicio. El drama parte de acá, en el abuso de dicho poder para con estas personas, quienes no pueden rehusarse a tal llamada, so pena de ser perseguidos como criminales.
Las consecuencias de la guerra, el trastocamiento de la vida de miles de personas, y todo lo devastador que ello implica, no queda reflejado en la película. El discurso pareciera nunca engranar con los demás elementos narrativos. Abundan muchos momentos vídeo-clip, que se nos antoja una clara concesión de Peirce para una de las productoras de la película: MTV; llamas y explosiones al ritmo de rock duro, un ballet visual de la guerra mucho más cercano a los juegos de videoconsolas que a las amputaciones de miembros o muertes, que acarrean muchos de estos ataques.
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La cineasta quiere hacer una crítica política y social y no encuentra el pulso desde le primer momento, no hay posibilidad de identificación alguna, del espectador, con sus personajes ni con las familias. Tampoco se atreve a poner en entredicho el término de patriotismo, que en EE UU puede ser tremendamente delicado. La obediencia a regañadientes pareciera ser el único camino, y los 12.000 desertores de esta guerra, que la directora menciona en alguna entrevista, no se encuentran reflejados con justicia.
Quizá la película que mejor se acercado al drama de esta reciente guerra ha sido En el valle de Ehla (2007), de Paul Haggis, que sin tanto bombardeo ni caras jóvenes guapas de soldados, logró acercarnos, de una manera íntima, a algunos visos de la guerra, a lo que puede vivir el entorno de un soldado.
El agua clara y fría de los pozos
con ese sabor a hierba que le deja la montaña
no se detienen los días ni el agua
que hasta aquí baja
no se detiene tampoco
los pájaros que migran en la tarde
oscurecerá pronto
quedaremos escondidos
entre el río y los pueblos
el agua contiene ahora las estrellas
la luna
navega al lado de las barcas
atracadas en el malecón
comienza entonces
el salmódico sonido de los sapos pequeñitos
ya nada veo
apenas mis brazos
que se balancean
me quedo así
como si también fuese un elemento:
arena del río
fuego de la hoguera
un liquen dormido
sobre un gran árbol.
.El juego de la locura (1963/66), Condesa de Castiglione.
...Para cerrar la entrega acerca de la exposición Female trouble nos acercaremos a los inicios y coqueteos de muchas mujeres con ese nuevo (y para muchos raro) instrumento, la cámara fotográfica, que les sirvió como medio de exploración y de expresión. Igualmente la exposición recoge, ya no a esas maravillosas “aficionadas” que ignoraban que estaban creando arte, sino también a algunas artistas de la década de los 20, 30 y 40, que se apropiaron del medio fotográfico como un acertado lenguaje.
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Vintage
Sin duda alguna, hay un par de fotografías que roban buena parte de la atención en cuanto a las más antiguas: una, la serie realizada por Virginia Oldoini Verasis, Condesa de Castiglione (Florencia 1837- París 1899), en donde se evidencia una búsqueda de la identidad a través de la máscara y la representación. Todas llenas de misterio y belleza.
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Dichas fotos fueron ejecutadas por el fotógrafo francés Pierre-Louis Pierson (1822-1913), pero la dosis creativa, por no decir la más importante, fue producto de esta especial mujer, la cual se dedicó a retratarse (son más de 400 fotos), en la reclusión impuesta por su marido, luego de que se ventilase, que era amante de Napoleón III. La más potente por su belleza y enigmática pose, en la que mira, agudamente, a través de un agujero, es la que titula como El juego de la locura (1863/66). En doble acto lúdico, por un lado simula esconderse y, por otro lado, pareciera observarnos minuciosamente; un hombro al descubierto evoca el erotismo, todo en la foto es refinamiento de la seducción.
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Otro de los más admirados dentro de la muestra es el autorretrato-gata de Wanda Wulz (Trieste 1903- 1984) Io + gatto, 1932; en el que a través de la superposición de imágenes se nos muestra con una identidad de gata, onírica y surreal, y como tal, muy potente imagen. Esta artista es una de las primeras en experimentar con la superposición de negativos. La fusión, creada en esta imagen es tan convincente que cuesta no creer que éste sea el rostro.
Wanda Wulz: Io + gatto (1932) .
Pero volviendo a la cronología, las fotografías más antiguas son las realizadas por la inglesa Lady Clementina Hawarden (1822-1865), con alma amateur, tomaba a sus hijos y conocidos como modelos… su búsqueda desembocó en maestría, considerándosele luego como una fotógrafamuy original y de las más experimentales dentro del siglo XIX. La exploración continua de la identidad femenina se evidencia en su trabajo, por otro lado, la armonía de sus composiciones es de una delicadeza que asombra.
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Clementina e Isabella Grace (Alrededor de 1864).
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La mano de Germaine Krull (Wilda, ant. Alemania, ahora Polonia, 1897- Wetzlar, Alemania, 1985) sostiene la cámara y a la vez un cigarrillo, un autorretrato (1925) sin rostro pero muy elocuente, hay firmeza y decisión en el acto de fotografiar, así como también dice, al no renunciar a su cigarrillo, de sus gustos. Una suave luz se incorpora a la foto, unos dedos hermosos, los puños de su traje, el cabello recogido, que detrás, se adivina… Krull es considerada como una fotógrafa de la modernidad y una de las más experimentales de su época.
Autorretrato, 1925. Germaine Krull.
.Un par de artistas formaron un fértil y excepcional estudio creativo: Ringl+Pit, conformado por las fotógrafas, Grete Estero (Elberfeld 1904- Buenos Aires 1999) y Ellen Auerbach (Karlsruhe 1906- Nueva York 2004). En la exposición, la fotografía Petrole Blahn (1931-1933) nos entrega el retrato de una mujer-muñeca, tal como nos concibieron los anuncios publicitarios en aquel entonces… su trabajo resalta por aportar una nueva visión del retrato femenino. Aquella cooperación terminó con la entrada del nazismo a Alemania, haciendo que sus destinos se dirigieran a distintas partes del continente americano..
Petrole Blahn (1931/33) Ringl+Pit.
Florence Henri (Nueva York 1893- 1982 Compiègne) desarrolló con vehemencia el retrato femenino. En su autorretrato (1928), la artista hace gala de su talento en la composición: aparece un poco lejana y melancólica frente a un gran espejo, que de alguna forma se nos antoja una ventana, la belleza de las líneas y planos, que aportan sobriedad al conjunto. (ver más fotos).
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Autorretrato (1928) de Florence Henri.
Gertrud Arndt (Alemania 1903- 2000) aparece en su Autorretrato N. 9.1930, como en tantas otras fotografías suyas, a través y con encajes, lo que le permite, a veces, aportar elementos que se acercan a lo gráfico (puntos, rayas, flores) un juego visual de texturas y nostalgia..
Autorretrato N. 9.1930, Gertrud Arndt.*
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Marta Astfalck-Vietz (Neudamm, hoy Polonia, 1901-1994 Alemania) se atreve en un muy ácido y macabro: Suicidio en espíritu (1927), en donde una cabeza con un signo de bala, reposa, en una mesa tranquilamente, dentro de un gran jarrón de vidrio.
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Suicidio en espíritu (1927) Marta Astfalck-Vietz.
Para terminar, la fuerza de las fotografías de Claude Cahun (Nantes, 1984- Isla de Jersey 1954), quien insiste en los autorretratos andróginos, que rayan a veces en lo no-humano, también recurre a la máscara, el disfraz, hoy tantas veces explotado como recurso, convirtiendo su cuerpo en soporte y materia de su investigación a la vez. En el autorretrato que señalo (1928/38), se muestra teatral y sin cabello, a través de los marcados contrastes de grises.
(Female trouble estará hasta finales de octubre en la Pinakothek der Moderne, en la Barer Str. 40, Múnich)
*Reproducción de Imagen: Claudia Hernández
Transformer (1973/74), autorretratos de Katharina Sieverding*.
....Para continuar la entrega de la exposición Female trouble, en la que he decidido ir cronológicamente (desde la actualidad hacia atrás), antes de comenzar con una década, en la que pareciera brotar la fertilidad en el campo artístico, quiero retomar un artista, nacida en los 60 pero que su trabajo ha tenido repercusión a partir de los 90: la británica Sarah Lucas (Londres, 1962), quien participa con un vídeo-arte y una serie de autorretratos en los que con provocador desparpajo y mirada desafiante, nos delata una inconformidad y necesidad de echar abajo los roles inherentes a la sexualidad. Aparece de piernas abiertas y una calavera de por medio, en el váter o con dos huevos fritos como pechos...
Autorretrato (1990-98), Sarah Lucas*.
Los convulsos 60
Si hay una década que marca una ruptura sustancial en cuanto al arte contemporáneo, es la de la década del 60 y principios de los 70. De la muestra cabe destacar a la artista más radical, visceral y provocativa, quien estuviese entre las pioneras de la performance y dueña de un lenguaje potente y transgresor: Vallie Export (Austria, 1940). Los teóricos describen su trabajo como un acto estético, social y político. El feminismo como bandera necesaria para derribar con furia, los roles, profundamente machistas, herencia de los tiempos que le preceden (véanlo claramente en la serie Mad Men).
.Aktionhose Genitalpanik (1969), Valie Export*.
La artista utiliza su cuerpo como arma y, como narra Ángela Molina (El País), Vallie se presenta en un cine de Múnich, con un salvaje pelo punk, chaqueta de cuero, tacones y unos jeans con una abertura que deja ver, claramente, su sexo. Con una escopeta en sus manos (símbolo fálico por antonomasia), apuntaba a la cabeza de la gente: "Pánico general y desbandada. El sexo es un estado de ánimo, una violación de la mirada. Sade es una mujer". A esta acción la llamó: Aktionhose Genitalpanik (1969).
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Otra fotografía recoge un célebre performance: Aus de mappe der hundigkeit (1968), en la que una mujer arrastra a un hombre con un collar de perros por la calle, ante la mirada atónita y risas de los transeúntes.
.Sin título (Olga, 1979) de Birgit Jürgenssen.
También destaca dentro de la exposición la inquietante fotografía, de Birgit Jürgenssen (Viena 1949- 2003), proveniente de una serie de instantáneas, en las que aparece con un inusual disfraz de gato. La imagen es poderosa, llena de misterio y retrata un universo enigmático y similar al de los sueños.
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Performances (1972-1973) de Jügen Klauke*.
Excelente han sido, igualmente, las provocativas fotografías, producto de las performances (1972-1973) de Jürgen Klauke (Kliding, Alemania, 1943). En ellas, el artista aparece con una suerte de traje de novia, en el que están cosidas muchas vulvas de tela, o en algún momento, pechos en forma de penes erectos. Hay transgresión y una profunda intensidad en sus acciones-imágenes.
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Performances (1972-1973) de Jügen Klauke*.
En cuanto a este apartado de hombres (en el que todos son autorretratos) desde una postura o ser femeninos, además de Klauke y Mapplethore, está Urs Lüthi (Lucerna, Alemania, 1947) y Pierre Molinier (Agen, Francia, 1900 - Burdeos, 1976).
Lüthi juega con el tópico y se retrata hermosamente maquillado y unas plumas, el travestismo le sirve de búsqueda y reflexión, a través del cambio de roles.
.Autorretrato con boa (1970), fragmento. Urs Lüthi.*
Molinier, que también recurre a códigos similares, va más allá. En sus fotos aparece con tacones y ligueros, en donde el erotismo se desborda en cada disparo de la cámara. Tal como apunta en su ensayo José Miguel Cortés, el artista convoca obsesivamente "el incesante fetichismo y travestimo narcisista". En sus fotos se recrea la disipación (a través de la fragmentación del cuerpo), la orgía imaginaria y solitaria, hecha de atrechos, prótesis y superposiciones de negativos.
.Autorretrato con máscara y rosa (1965-1967), Pierre Molinier. *
*Reproducción de Imagen: Claudia Hernández
(Las imágenes se pueden ver ampliadas al pinchar sobre ellas)
Ultima y próxima entrega, acerca de la exposición: Vintages
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Amputee (Election 2).
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Amputee (Election 2).
Martha Rosler ©Tony Cenicola para el NYT.
Hooded captives.
Invasión (2008).
Saddam's Palace 
Photo Op (2008).
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Election.
