La inquieta mirada

No quiero ver que nos dejas 'Miss Peaches'

2012-01-21T22:10:00.003+01:00

Etta James. Foto: Hall de la Fama.

"That I don't wanna watch you leave me, baby..."

I'd rather be Blind.

El título de esta entrada, intenta parafrasear en parte, la letra de la canción escrita en el epígráfe, queremos decir adiós a Miss Peaches, sobrenombre de Etta James, diva del blues, el R&B y de los muchos ritmos del jazz y sus alrededores, desde este blog le decimos: no queremos ver que nos dejas. Sin duda, tras una vida de batallas y tormentas, se sobrepone, ante todo, el arte. Su voz es se apagó el pasado 20 de enero.

Vídeo de At Last, uno de sus éxitos más versionados:

Etta se encuentra en el puesto 22 de la revista Rolling Stones, dentro de la lista de los grandes cantantes de todos los tiempos. Sé que vivimos una época que le encanta el ranking, y que no hace falta ello para tenerla entre las grandes damas del jazz.

Desde acá nuestro adiós a una de las más grandes de la música... una voz irrepetible.

En uno de sus últimas grabaciones, una versión de Welcome to the Jungle.

Un regalo como revelación: la cámara de Eve Arnold

2012-01-08T19:58:00.006+01:00

Eve Arnold fotografiada por Lord Sonwdon en 2001.

Ayer, muchos periódicos publicaban la noticia de la muerte (ocurrida el 04 de enero) de la fotógrafa americana Eve Arnold, quien en abril cumpliría 100 años. Parte de su biografía nos cuenta que un amante le regaló su primera cámara... lo cierto es que dicho regalo fue toda una revelación para esta fotoperiodista, la cual trabajó para la agencia Magnun desde 1951, pasando a ser miembro de esta seis años más tarde.

Eve Arnold junto a Marilyn Monroe en el set de rodaje de Misfits (1960).

Es bien conocida por sus retratos en los set de rodaje de Hollywood en los que retrató cientos de veces una siempre carismática Marilyn Monroe, de quien fue amiga por más de diez años.

En una sesión de los estudios, 1960.

©Eve Arnold/ Magnum Photos.

Pero más allá del glamour de las estrellas del Star System, desarrolló una mirada humanística y social en muchos de sus fotoreportajes, interesándose por la cuestión racial imperante, lo cual queda reflejado en sus fotografías. Un trabajo interesante es la cobertura de shows de moda en una iglesia de Harlem, los distintos retratos que hiciera del líder Malcom X, así como diversas situaciones en las que deja ver que las barreras raciales podían estar cayendo realmente en una América segregacionista.

Malcom X en una colecta para los musulmanes negros, Washington D.C. 1960.

©Eve Arnold/ Magnum Photos.

Un sofisticadísimo retrato de Malcom X.

©Eve Arnold/ Magnum Photos.

Un dato curioso es que también es una de los primeros fotoperiodista de Occidente que van a China (1979), para lo que tuvo que esperar por su visa unos diez años. Cubriendo con un interesante trabajo unos 60 mil kilómetros de viaje por tierras chinas en cinco meses, el cual está recogido en su libro In China (Edit. Hutchinson; Londres, 1980).

Convención republicana. Illinois, Chicago, 1952.
©Eve Arnold/ Magnum Photos.

Más de su fascinante trabajo:

Una fantástica escena captada en el set de Misfits de Marilyn

ensayando unos pasos junto a Arthur Miller, 1960. ©Eve Arnold/ Magnum Photos

Museo Hubert de la 42nd St., Nueva York, 1950.

El fundador del Partido Nazi Americano (centro),

flanqueado por dos miembros de su partido en una reunión de

musulmanes negros. Cabe señalar que Arnold es de origen judío.
©Eve Arnold/ Magnum Photos.

En el set de Misfits, 1960.

Haciendo la permanente a una niña china, 1979.

Prostituta; la Habana, 1954.

Más link de sus fotos.
Más fotos.

Documental (parte 1, en inglés) en donde la fotoperiodista habla de Marilyn.

La vanguardia también era Ré Soupault

2011-12-11T13:53:00.006+01:00

Autorretrato de la artista. Túnez, 1939.

Una cosa que ha traído los nuevos tiempos en los que se ha acercado la igualdad entre los géneros, es que muchas artistas, que otrora fueron relegadas a un segundo plano, se están por así decirlo, redescubriendo. Ré Soupault (1901-1996), nombre artístico de la artista alemana, Meta Erna Niemeyer, quien fuera alumna de la Bauhaus, fotógrafa, diseñadora de modas, ensayista y traductora. Hoy en día se le considera una de las más importantes fotógrafas del siglo XX, por lo que importantes museos del mundo le han dedicado varias exposiciones retrospectivas de su obra.

Otro magnífico autorretrato, Túnez, 1939.

Cuando abandona la Bauhaus en 1925 y se muda a Berlín donde comienza atrabajar como periodista de moda, empieza a consolidar mucho más sus lazos con los movimientos de vanguardias de aquella época, colaborando con algunos artistas. En 1926 se casa con el dadaísta y director de cine experimental Hans Richter, aunque dicho matrimonio duró muy poco tiempo. Lo cierto es que su casa era un centro de reuniones frecuentado por artistas y escritores destacados de la vanguardia como Léger o Man Ray.

Fiesta de la victoria electoral de Léon Blum, del Frente Popular.

Delegación del los huelguistas en el estadio Buffalo de París, 14 d ejunio de 1936.

La composición es fantástica, sobre todo si nos fijamos en su sobria geometría

como también en la soledad del personaje de la tarima.

La moda como creación práctica
Ré Soupault se muda a París y abre su propio atelier de moda, teniendo éxito sobre todo con su propuesta con el Trasnformationskleid (vestido transformable), el cual varias piezas se iba encajando o desencajando como un puzzle ya adaptando y variando el vestido de muy diversas formas, así como sus hermosas batolas de clara inspiración árabe.

En 1933, en una fiesta de la embajada Soviética en la que se celebraba la la Revolución de Octubre conoce al artista, escritor y político Philippe Soupault, quien ya por el año 1919 escribiera junto a André Bretón el hoy considerado primer texto surrealista. Se casan en 1937 y así permanecieron hasta su muerte. Desde el comienzo él la apoya para continuar su trabajo fotográfico. Desde el año 1934 ambos viajaron haciendo reportajes por buena parte del mundo, en los que cabe destacar su trabajo fotográfico en 1936 de su paso por la Guerra Civil española.

Niños en Madrid con el saludo de la lucha obrera, 1936.

El viaje continúa
Philippe recibe el encargo de fundar en Túnez una estación de radio antifascista y ambos llegan a dicha ciudad en 1938. Ella continúa haciendo fotoreportajes, y cabe mencionar el que hiciese sobre los barrios reservados a mujeres. Una suerte de gueto para aquellas mujeres que no habían podido fundar una familia dentro de aquella sociedad musulmana, o que sus propias familias les dejaban a su suerte. No eran barrios de prostitutas exactamente, aunque muchas de ellas se dedicasen como única fuente de sustento. En la Segunda Guerra Mundial son detenidos sin juicio durante seis meses, bajo el régimen de Vichy. Tras el desembarco norteamericano al norte de África en 1942 la pareja huye a Argelia, dejando atrás los negativos, cámaras, manuscritos...

Quartier Reservé, Túnez, 1939.

Los viajes no cesan, en 1943 el general de Gaulle envía a Philippe a fundar una agencia de noticias francesa en América y se trasladan a Estados Unidos, reencontrándose con sus amigos del exilio: Max Ernst, Man Ray, Léger, entre otros. Viajan por buena parte de América Latina. En 1948 regresa a Europa y comienza atrabajar como traductora con la reputada editorial Büchergilde Gutemberg. Lautréamont, Breton, Tzara fueron algunos de los autores traducidos al alemán.

Quartier Reservé, Túnez, 1939.

La fama a los noventa años
En el año 1987 el editor Manfred Metzner, uno de los fundadores de la editorial Wunderhorn, se fija en su obra fotográfica y publica su obra (reunida en unos ocho libros), haciendo que se restacara del olvido el trabajo de esta maravillosa fotógrafa. Su trabajo, además de toda la belleza formal que contiene, deja ver una manera de mirar singular, seguramente influenciada por la pluralidad de experimentos con diversas tendencia y formas de arte como por ejemplo, el cine de vanguardia, cuestión que deja sentirse en la geometría de sus composiciones, pero, al mismo tiempo queda la huella de su inquietud tanto por la realidad histórica como la creación en su estado más puro.

Una foto de la pareja Soupault en 1984.

Ré Soupault muere en Versalles en marzo de 1996 y está enterrada en el cementerio de Montmartre

El vídeo de la Sinfonía diagonal, trabajo con el que colaboró arduamente (un año completo) con el artista sueco Viking Eggelin.

¿Cuántas mujeres caben dentro de una película?

2011-09-27T19:27:00.010+02:00

Anita Sarkeesian

©Pág. Feminist Frequency.

Un día mientras preparaba una clase para una de mis alumnas de español, di con el canal de Youtube Femenist Frequency, a cargo de Anita Sarkeesian, una feminista que dirige su crítica hacia la cultura pop. Juro que vi ese día todos los vídeos producidos por ella, excelentes. Uno de los que me llamó la atención, ha sido este que data de 2009, en el cual habla del test Bechdel, con el cual podemos medir la presencia de las mujeres en las películas. El test, aunque carece de esa formalidad de los "verdaderos test", arroja resultados sorprendentes con tan solo tres sencillas preguntas:

1- ¿Aparece una o dos mujeres en la película... con nombres?

2- ¿Hablan entre ellas?

3- ¿Cuando hablan entre ellas, hablan algo que no sea acerca de los hombres?

El vídeo:

No es difícil imaginar que si te toma un buen puñado de películas, son pocas las que salen aprobadas (que quede claro que se tienen que superar las tres preguntas para que al menos digamos que hay presencia femenina). Por otro lado, hay que tener en cuenta que, si al menos pasa el test, ello no quiere decir que la película incluya una perspectiva feminista ni mucho menos. Pero es abrumador ver que en una mayoría de películas, las mujeres solo aparecen como algo extra, para darle valor a los héroes o personajes principales.

Esta comunicadora y activista, Sarkeesian, da buena cuenta de las películas de los Oscar en otros de sus vídeos en los que repasa las películas que tratan de hombres. Echemos un vistazo a los Oscar 2010.

La red social: La historia de un joven en sus inicios como fundador de Facebook.

¿Pasa el test?

Cisne negro: La historia de una joven balletista.

¿Pasa el test?

Sí

The Fighter: La historia de un joven boxeador.

¿Pasa el test?

Sí

Los chicos están bien: La historia familiar de una pareja de mujeres gays.

¿Pasa el test?

Sí

Toy Story 3: La historia de un juguete que representa a un héroe

¿Pasa el test?

No sé si la cowgirl Jessie habla con Barbie, pero lo más seguro es que no, no la he visto.

El discurso del Rey: La historia de un rey y la lucha contra su tartamudez.

¿Pasa el test?

127 Horas: La historia de un joven y su tragedia en la montaña.

¿Pasa el test?

Valor de Ley: La historia de una joven y un alguacil que se unen para buscar el asesino del padre de esta.

¿Pasa el test?

Origen: La historia de un hombre y su sufrimiento por la pérdida de su mujer.

¿Pasa el test?

Winters' Bone: La historia de una joven que investiga la desaparición de su padre.

¿Pasa el test?

Sí

En los premios Oscar 2009

The Hurtlocker: La historia de un hombre que desactiva bombas en la guerra.

¿Pasa el test?

Avatar: Un hombre que se hace Avatar y...

¿Pasa el test?

Un sueño posible: Trata de un hombre que pasa de indigente a estrella del fútbol americano... y una mujer que le ayuda.

¿Pasa el test?

No la he visto

Distrito 9: Trata de hombres.

¿Pasa el test?

An education: La historia de una joven...

¿Pasa el test?

No estaría muy segura.

Inglorious Basterds: Una historia muy coral pero predominan los hombres.

¿Pasa el test?

Precius: La trágica vida de una joven afroamericana.

¿Pasa el test?

Sí

Un tipo serio: La historia de un profesor universitario...

¿Pasa el test?

Up : La historia de un viudo.

¿Pasa el test?

Up in the Air: La historia de un hombre...

¿Pasa el test?

Si quisiéramos seguir buscando, luego veríamos, además, que la exclusión también alcanza cuestiones raciales, la mayoría de los protagonistas son blancos caucásicos (olvídese de latinos, asiáticos o africanos...), así como también se suelen excluir la diversidad sexual, casi todos son heterosexuales. Pero como se menciona antes, el hecho que en esta lista aparezcan como protagonistas mujeres, ello no se traduce que sean por defecto historias feministas.

Sé que algunas de estas clasificaciones podrían ser discutibles, el test no es una ciencia, pero podremos afirmar que, de las 20 película de la lista, al menos 15 la protagonizan hombres en oposición a un 8 de las mujeres. En cuanto al test, aunque a veces es difícil responder a las 3 preguntas, podemos decir que unas 7 (de 20) lo aprueban. Si queremos extendernos, solo una peli incluye la temática gay y, solo dos son protagonizadas por afroamericanos, no sé si ello se debe a que son basadas en historias reales y ya sería el colmo.

La verdad, basta con revisar un poco para darnos cuenta que el camino por la paridad de géneros (y otras igualdades) sigue siendo largo. La industria del cine sigue dirigida por hombres y todas estas historias, en donde no aparecemos, es un reflejo de ello. No solo esperamos más mujeres guionistas, productoras, directoras, sino también que hablen de nosotras y que cuenten también nuestras historias.

Otro interesante vídeo de Feminist Frequency acerca de los Oscar

El blog de Feminist Frequency (en inglés)

Sofía escapa de la sombra

2011-09-14T13:52:00.007+02:00

La directora (en el hotel) asiste al Festival de Venecia en 2010.

Hay hijos de genios que intentan huir de la celebridad y brillo de sus padres, otros que no aguantan los embates de las siempre odiosas comparaciones, pero en el caso de la directora Sofia Coppola, simplemente no quiso escapar de su talento y destino. Fue bautizada en el cine ¿literalmente, si aceptamos la representación como realidad o como cualquier rito iniciático como un "bautizo"?, con apenas unos meses encarnaba el papel de sobrino de Michael (Al Pacino), en esa joya del cine que es El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), en una secuencia memorable en el que el bebé era bautizado y en donde se concatenaban una serie de escenas que preparan el clímax para un aciago desenlace. Nunca un bautizo fue más premonitorio...

Fotograma de El Padrino III.

Años más tarde, ante las duras críticas que recibiera en su actuación en el Padrino III, como Mary Corleone, la joven, lejos de amilanarse, enderezó su brújula y dio con la parte de dicho mundo al que mejor se amoldaba: el guión y la dirección. Hoy en día, no solo la respalda una carrera sólida y sin patinazos, además se erige como la primera mujer nominada a la mejor dirección en los premios Oscar.

Fotograma de Las Vírgenes Suicidas.

Su carrera se catapulta con su ópera prima Las Vírgenes suicidas (1999), en donde ya deja ver su capacidad como narradora y con una dirección que, no solo mostraba talento, sino también un sello propio, una voz y forma singular. Las dudas sobre el padrinazgo y supervisión de esta pequeña joya por parte del padre, no se hicieron esperar... pero un segundo largometraje irrumpe y despejas las dudas con un éxito sorprendente: Lost in Translation (2003), en donde se lleva el Oscar al mejor guión y es nominada a la mejor dirección y mejor película, pero sendos galardones se lo arrebata Clint Eastwood con la correcta pero casi olvidable Million Dollar baby. Pero la academia francesa le concedió el Premio César (2005) como mejor película extranjera.

Un fotograma ya icónico de Lost in Translation.

En 2006 reaparece con una singular visión de la célebre María Antonieta. De formidable factura, pero narrativamente menos potente que las anteriores. A ella le sigue, y hay una conexión entre ambas películas debido al tedio y la desazón existencial, Somewhere (2010). Johnny es un personaje ensimismado en su cotidianidad y cierta fama. La vacuidad de su vida discurre entre el más absoluto sinsentido. María Antonieta, a su vez, come pasteles ricamente decorados, realiza fiestas que duran días y afuera la Francia se desmoronaba. El deseo, para ambos personajes pareciera inexistente, aunque en esta reciente película, la directora elabora un relato mucho más íntimo que la fastuosa María Antonieta.

Un hermoso fotograma de su María Antonieta.

Sofía, por más densos que sean sus temas, no descuida la belleza formal en su dirección, ofreciéndonos planos maravillosos y fotogramas inolvidables.
Somewhere fue merecedora del León de oro del Festival de cine de Venecia (2010), hace mucho que nuestra directora ha despegado y su cine va madurando con el tiempo. Estaremos atentos a las nuevas películas de esta talentosa guionista y directora, que ha sabido beber, sin atragantarse, de la impronta de unos de los directores más talentosos de la historia del cine.

Somewhere, su más reciente película.

Paseo dominical

2011-09-01T10:59:00.001+02:00

El hermoso teatro Cuvillé (1751-1755), una joyita de la Residenz

De mi experiencia en Alemania, una de las cosas que no me dejan de asombrar y que admiro de este pueblo es el mimo y valor que le dan a lo que poseen. Lo ve uno en sus palacios y castillos que si bien muchos de Europa les ganan en antigüedad, bellleza y singularidad, acá, además de conservarlos impecables, hacen de él un espacio más vivo e integrado a la ciudad. Se hacen conciertos dentro, cenas, fiestas, espectáculos, mercadillos, teatro.

Una madre pasea con su hija por el mercadillo.

El domingo pasado fue el Festtag in der Residenz, que consitía en una fiesta de tres días en torno al palacio que fuera residencia de muchos duques, reyes y príncipes electores. Un hermoso mercadillo con tema renacentista, un espectáculo y cena. Asistí al espectáculo, que debo confesar no fue muy allá, y algunas de las compañías que asistieron rayan en lo mediocre, pero salvaron el día los jóvenes muniqueses del grupo de danzas moriscas. Y para alguien que ama la fotografía no puedo negar que el grupo principal poseía un vestuario maravilloso.

Un pequeño paseo por los alrededores, me permitió descubrir un rinconcito del gigantezco Jardín Inglés que desconocía.

Os dejo algunas fotos de este domingo.

Detalle de la Residenz.

La cancillería de Estado de Baviera.

Alrededores.

Jardín Inglés, estatua dedicada a un político y poeta ruso que vivió en Múnich.

Confucio también tiene su estatua en el Jardín Inglés.

Parte de las danzas moriscas.

Unas visitantes espontáneas en el mercadillo.

Una pausa por vacaciones

2011-07-30T10:55:00.002+02:00

Espacio interior de la instalación.

Querid@s amigos, el blog se toma una pausa este verano pero volveremos en breve. Quiero dejaros unas fotos de la exposición Leviathan que disfruté en París (gracias a la información de nuestra amiga blogera Delikat Essences), una monumental instalación del artista Anish Kapoor en el Grand Palais.

Nos vemos a la vuelta.

Claude Cahun: la identidad y el espejo

2011-07-09T13:09:00.001+02:00

Autorretrato (1914).

Hasta el 25 de septiembre en el museo Jeu de Paume (París) permanecerá la exposición de la extraordinaria fotógrafa Claude Cahun (Nantes, 1894 - Isla de Jersey, 1954). Se puede afirmar que el trabajo de Cahun comienza a ser verdaderamente célebre desde hace un par de décadas, catalogándosele como uno de los de mayor altura y originalidad, en lo que a la primera mitad del siglo XX se refiere. Sus imágenes desprenden mucha fuerza y, es sin duda, en sus autorretratos con los que esta artista alcanza su punto más poderoso en cuanto a poética y búsqueda artística.

Autorretrato (1927).

La identidad reinventada
En sus autorretratos una y otra vez utiliza la máscara a través del disfraz, el cambio radical, el travestismo para jugar, reinventar y anular toda identidad, bien sea de carácter sexual o humano. La vemos con el cabello plateado, la cabeza deforme como un marciano, como una muñeca, como Buda, como una hermosísima mujer, como un hombre... muchos críticos apuntan que en estas transformaciones ya se atisba lo que vendrá a convertirse en la performance. No en balde, ya desde su cambio de nombre, otro enmascaramiento, opta por el de Claude que bien sirve para mujeres y hombres.

Un artista sabe "hablar" a través de la máscara tal

como podemos ver en esta foto extraordinaria y llena de símbolos.

Su trabajo está lleno de subversión y, aunque estuvo muy cerca de los surrealistas, sus fotografías son de difícil clasificación. Su biografía no deja de ser interesante, fue parte del movimiento surrealista, pero también compartió con muchos artistas de su época luchas revolucionarias y sobre todo antifascistas. Llegando a realizar actividades políticas en contra de las tropas de ocupación nazis, por lo que fue arrestada por la Gestapo, salvándose de una pena de muerte (además era judía) en 1945, gracias a la liberación por parte de los aliados. Parte de esta historia ha hecho que mucho de su trabajo fotográfico desapareciera y que su rastro se haya perdido por muchos años y es ahora cuando comienza a recuperarse, gracias al trabajo del biógrafo, François Leperlier.

Un fotos sin duda sorprendente que juega con lo onírico.

Su trabajo no se ciñó, por supuesto, solo a los autorretratos, también fue una excelente retratista, realizó collages fotográficos y es de destacar sus objetos ensamblados en los que crea una verdadera poética de los objetos, como bien se le denomina en la exposición a esta parte de su trabajo.

Una retrospectiva muy recomendable para todas aquellas personas que aman la fotografía y que tengan la suerte de pasarse unos días en Paris ahora o en estos meses próximos.
Página oficial de Claude Cahun (Ing.)
En este blog.

La lista de Tarkovski

2011-06-16T10:37:00.002+02:00

No creo que haya un director más singular, profundo y de cierta forma místico que Andréi Tarkovski. Acercarse a su obra supone sentir que se está frente a algo grande, de lo que solo el misterio de lo inexplicable sabe hablar.

En su biografía reseñada en Wikipedia, me llamó la atención una lista que el cineasta hiciera, de sus diez películas favoritas. Me di a la tarea de ver todas aquellas que no había visto y la verdad es que es fantástico acceder a joyitas que desconocía. Entre los directores que este respetaba se encontraban: Mizoguchi, Buñuel, Bergman, Bresson y Kurosawa.

Pienso en la dificultad para un cinéfilo de comprimir, en una lista de diez, sus películas preferidas.

La lista de Tarkovski:

1- Diario de un cura rural (Robert Bresson, 1950), una magnífica película que conecta con otra de esta lista, Los Comulgantes, en la que nos asomamos a través de uno de los antihéroes más desvalidos del cine, un joven cura enfermizo que escribe un diario, y que se debate entre lo que se espera que sea como párroco y lo que realmente alcanza a ser... un hombre atormentado que lucha por una fe ante la que lo vemos dudar.

2-Los Comulgantes (Ingmar Bergman, 1963), el misticismo como búsqueda a veces fallida o no, también aparece en esta película, parte de la trilogía que el director llamase El Silencio de Dios. Su protagonista, otro antihéroe, un párroco bastante antipático, egoista, incómodo consigo mismo y con su fe. Una de sus escenas, en la que discute con su amante, nos trae a la memoria a otra (¿un homenaje?), de La Cinta blanca, en la que el hombre cubre de improperios a su sumisa amante.

3- Nazarín (Luis Buñuel, 1959) Siguiendo con el hilo místico, esta vez un cura se replantea su fe, no sin acarrearle serios problemas, una suerte de iluminado que también se debate entre el hombre y dios. Nazarín elige un camino que se aleja de la ortodoxia cristiana, siguiendo entonces los caminos más sacrificados para emular los preceptos de ese Cristo en quien cree.

4- Fresas Salvajes (Ingmar Bergman, 1957) Un viaje a través de la memoria le permite a su protagonista reconstruir un presente a punto de extinguirse. La conciencia de la muerte le deja encontrarse, finalmente, con su propio yo.

5- Luces de la ciudad (Charles Chaplin, 1931) Un clásico que parte de una sencillez absoluta pero que tiene todos los ingredientes de una película inolvidable: romance, humor y un tanto de tragedia.

6- Cuentos de la luna pálida (Kenji Mizoguchi, 1953) Considerada una obra maestra del director japonés, en la que se conjugan de manera magistral la realidad y lo fantasmagórico, el amor el deseo y la ambición, en una misma fábula.

7- Los siete samuráis (Akira Kurosawa, 1954) Un pequeño feudo japonés del siglo XVI sirve de marco para contar una historia épica llena de valor, en donde el honor y los códigos de la época nos permiten asomarnos a la universalidad y atemporalidad inherentes a la condición humana.

8- Persona (Igmar Bergman, 1966) Casi un monólogo, pero no lo es, más bien, diálogos indirectos entre sus escasos personajes. Una historia singular en la que nos asomamos al mundo de dos mujeres. Solo dos grandes actrices como Bibi Andersson y Liv Ullman podían sostener una película de gran peso en sus personajes.

9- Mouchette (Robert Bresson, 1967) Trágica e inocente, Mouchette es sin duda magistral en su narración. Bresson logra construir un personaje poderoso y frágil a la vez. Una historia que se enmarca dentro del paso de la infancia hacia la adultez, entre el mundo inocente hacia una realidad por momentos brutal.

10- La mujer en la arena (Hirshi Teshigahara, 1964) Una fotografía soberbia y una historia tan desconcertante como verosímil... rayana al surrealismo. Un asfixiante relato, kafkiano en parte, en donde quedan los sentimientos humanos expuestos desde sus más bajos o altos instintos. Una joya salida de la pluma del Nobel Kobo Abe.

Uno de los magníficos fotogramas de Una mujer en la arena.

Una escena, ya clásica de Persona.

Queridos lectores, estaré ausente hasta julio... hasta entonces.

La Zaranda estrena en Madrid

2011-06-05T12:23:00.002+02:00

Nadie lo quiere creer. La patria de los espectros (de Eusebio Calonge) es la nueva puesta en escena del teatro La Zaranda. Estrenada en octubre en Girona, llega finalmente a Madrid, este "sainete espectral" en los espacios del Teatro Español. Para aquellos que no conocen esta compañía, cabe destacar que trabajan juntos (la mayor parte del grupo) desde hace treinta años y, en 2010, fueron merecedores del Premio Nacional de Teatro: “por su capacidad de conjugar una decidida y comprometida puesta en escena y un texto global que entronca con la tradición ibérica del esperpento, a través de un lenguaje contemporáneo de gran carga
poética, puesto de manifiesto en 2009 en el espectáculo Futuros difuntos”.

Una de las pocas compañías teatrales, cuyo dramaturgo es parte de ella. Dicha cohesión entre sus partes es el ingrediente principal de la "receta zarandiana", un trabajo con unas señas únicas, nada liviano, que huye del artificio en todas sus propuestas. Su director, Paco de la Zaranda, también forma parte del reparto.

Sin duda, aunque suene hiperbólico, es una de las mejores compañías teatrales del mundo.

Teatro Español
Del 9 al 26 de junio
de martes a domingo
20.30
Entradas

Los trazos mágicos de Ana Juan

2011-05-27T08:42:00.000+02:00

La ilustradora Ana Juan junto a algunas de sus creaciones.

Aunque había visto algunas de sus ilustraciones en portadas de libros, no fue sino hasta la aparición del póster de la Feria del libro de Madrid (2006), lo que me impulsó a buscar un poco más a fondo quién era la persona que estaba detrás de se esa fantástica obra artística hecha póster, y no era otra sino Ana Juan.

Fue fácil encontrarla, posee una página web muy versátil y completa en la que se puede ver sus trabajos en los diversos medios impresos, destacando su muy fecunda colaboración para la paradigmática The New Yorker (ver en este link las diversas portadas que la artista ha realizado para esta revista).

Hermosa reinterpretación del arte de Frida Kahlo, realizada por la artista

para el libro infantil del autor Jonah Winters.

Portadas de muchos libros, póster promocionales, no solo en España, sino también para Estados Unidos, Italia, Japón, entre otros. En el año 2010 recibió en España el Premio Nacional de Ilustración.

Lágrimas como tatuajes, peces o pájaros se deslizan por el rostro.

Pura poesía visual.

Su trabajo derrocha imaginación, una excelente técnica, y siempre tiene una huella profundamente femenina. El mundo onírico se cuela siempre en su imaginario y su capacidad para reinventar los iconos y personajes clásicos es sorprendente, como queda demostrado en el poster de Hansel y Gretel creado para la Metroplitan Opera Hause. NY (2007).

Sus personajes suelen ser soñadores, a veces oscuros, livianos, pero siempre nos hablan de ese mundo un tanto intangible, mientras otros se mueven en lo lúdico. Uno siempre siente que algo pasa, que algo está pasando.

Ilustración para la edición americana de la revista Rolling Stone del músico

Devendra Bandhart a quien este blog le dedicó una breve entrada.

En esta ilustración lo femenino desborda.

En Wikipedia.

Un artículo de El País.

¡Democracia real ya!

2011-05-22T16:47:00.006+02:00

Concentración de Múnich, sábado 21 de mayo.

Ayer un buen número de españoles y simpatizantes se reunieron a protestar en Sendlinger Tor, en la ciudad de Múnich, adhiriéndose a las propuestas iniciadas en Sol y que como una gran bola de nieve se ha ido extendiendo por el mundo, allí donde residen españoles. ¿Cifras? Lamento declararme totalmente nula para un conteo, pero puedo afirmar que fuimos un nutrido grupo con muchas ganas de demostrar nuestro descontento hacia los fallos de la democracia española, y que como buena democracia podemos siempre aspirar a mejorarla.

Uno de las características de lo que ha surgido de este movimiento encabezado por el grupo Democracia real ya es que no quiere que se adhesione ningún partido político, sino que quieren que ocurran cambios de base independientemente de la inclinación política de sus participantes.

Ayer, la gente llevó sus pancartas, se gritaron consignas y aquellos que así lo quisieron, tomaron la palabra y hablaron de sus expectativas de cambio. De las muy diversas propuestas, quizá la más imperante es la reforma de la ley electoral que excluye de manera injusta a los partidos minoritarios allí en las circunscripciones con muchos habitantes, como es el caso de Madrid, por poner un ejemplo.

A continuación os dejo un vídeo en el que se explica claramente los problemas que conlleva las circunscripciones provinciales (continuar viendo las partes siguientes en Youtube):

Otra parte de las propuestas ha sido el desacuerdo de como se ha atendido la crisis financiera, rescatando a los bancos con el dinero de los contribuyentes. Por otro lado, también se ha querido demostrar el malestar de los recortes de beneficios obtenidos otrora por los ciudadanos españoles y que poco a poco se están cercenando. Como ejemplo, podemos mencionar el aumento en la edad de jubilación así como la rebaja de los sueldos a los empleados públicos, el abaratamiento y facilidades del despido, el trabajo precario y el aumento del paro. Otro de los puntos, que se prohiba la postulación de aquellos políticos imputados por corrupción a presentarse en las listas.

En la pancarta que llevamos, recogimos datos de la comisión estadística europea Eurostat.
Un ejemplo (cabe aclarar que estas sifras son sobre la base del PIB, los que las hace agigantarse en proporción.

Desempleo en España (2011): 20%
Desempleo UE-27: 9,5 (si hacemos la comparativa con la UE-15 estas cifras empeoran)

Inversión social española (2010): 41,1%
Inversión social UE-27: 46,8 %

Salario bruto anual español (2003-2008): 20.438
Salario bruto anual UE-27: 34.412
Salario bruto anual en Alemania: 41.691

Cabe recomendar un fantástico artículo del gran Vincenç Navarro titulado Recortes y polarización social. En el que deja bien claro la falacia de que el supuesto monstruo de las instituciones estatales, públicas y burocráticas es muy grande, ya que España, al contrario, se encuentra en la cola en la UE-15 en cuanto a la inversión social. Es decir, países más ricos poseen un aparato estatal mayor y ello no incide en el empobrecimiento de dicho estado.

"Es su crisis, ellos deben pagarla".

Hubo un ambiente fabuloso, ordenado con ganas de escucharse unos a otros aunque no todas las ideas coincidían. Lo que sí puedo decir, a aquellos agoreros que dicen que esto terminará en nada, que no lo creo, que tenemos el poder los ciudadanos y lo vamos a ejercer.

"La revolución global ya ha comenzado".

Los partidos políticos han estado callados o excesivamente parcos por miedo a que una metida de pata influya en los votos de hoy. Eso hace ver su estatura política, sienten miedo... y eso está bien. Como mínimo me gusta saber que mi demostración al menos sirva para evidenciar mi descontento y decirles: no, no estamos contentos con la manera en que lo estáis haciendo. Queremos un cambio... a mejor.

D E M O C R A C I A.

Mapa de las regiones con los partidos imputados por corrupción.

Una de las jóvenes que tomó la palabra en la tarde de ayer, y que ratificó

que la juventud está clara y que derrochan inteligencia.

"Estamos hartos: + democracia, justicia, derechos, trabajo y -corrupción, crisis y estafa".

Otro de nuestros oradores espontáneos de ayer que animó a la gente a opinar.

Vídeos en Youtube1
Video en Youtube 2
Vídeo en alemán en Youtube 3
Y otro vídeo de la concentración.

Una moneda que beneficia a todos: el Chiemgauer

2011-05-04T16:16:00.002+02:00

En un mundo que nos invita cada día más a actuar como borregos ir a contracorriente pareciera que, cada vez más, a los actos de rebeldía e inconformidad se empeñasen en mal clasificarlos como radicales o extremos, otorgándoles un matiz siempre negativo. Pues ir a contracorriente, en muchos casos (tal como los movimientos artístico han demostrado), es un acto creativo y que, aplicado a muchas otras áreas se convierte en una experiencia positiva para una mayoría. Todo ello nos sirve para traer a colación una respuesta de lo más interesante y por momentos exitosa a esa parte más negativa de las economías globalizada. El dinero en su forma especulativa.

Vista del lago Chiemsee y de la bella Frauen Insel.

©Chiemgau Turismus e.V.

En lo que pertenece a la Alta Baviera, a unos 90 kilómetros de Múnich, está el distrito de Rosemheim, en la que se encuentra el idílico muncipio de Chiemsee, lugar en el que su hermoso lago y alrededores inspiró al rey Ludwig II de Baviera la construcción de una versión del Palacio de Versalles. A la región que rodea el lago se le llama Chiemgau.

Allí, en 2003 un profesor de secundaria, Christian Gelleri, inició un proyecto al cual se apuntaron al principio solo alumnas, y en el que se trataba de diseñar y crear una moneda local. Dicho proyecto se puso en marcha un año después y hoy en día parece ser imparable...

El nombre de la moneda es Chiemgauer y su idea partió de una mejor distribución de esa riqueza que posee dicho municipio. Aunque a primera vista pueda parecer un billete del Monopoly, su valor va en paridad al euro (un euro: un Chiemgauer) y en la actualidad deben circular un poco más de millón y medio en esa parte de la región (En 2010 las estadísticas recogía 1.458.119 Chiemgauer en circulación). Dicha moneda de cambio lleva en su revés pinturas de artistas de la región, por ejemplo y, en un principio, era fabricada por los estudiantes y lleva igual su respectivo control.

El éxito de dicha moneda se basa sobre una premisa básica: no sirve para ser acumulada, si no se usa en 3 meses pierde su valor, y hay que pagar un 2% de cada Chiemgauer para validarlo y ponerlo en circulación nuevamente, así que se corta de raíz un posible enriquecimiento especulativo. Por otro lado ha impulsado notablemente la economía de la región, ya que hace que los productos que allí se siembran y producen, puedan ser en su mayoría, consumidos en dichas comunidades, promoviendo así el comercio de las pequeñas tiendas, agricultores de productos, en su mayoría biológicos, y evitando los estragos que hoy se viven con los comercios de grandes superficies, las deslocalizaciones de empresas y la fuga (y concentración en unos pocos) de riquezas, pero sobre todo, hace que los puestos de trabajo permanezcan y se reproduzcan.

Arriba en la foto, la maestra molinera Annelie Wagenstaller muestra sus más recientes libros editados. Ella imparte clases de fabricar pan en un espléndido molino de agua antiguo, todo ello puede pagarse con Chiemgauer, igual que los productos de su fabulosa tienda.

En el documental La doble cara de la moneda aparece un productor de queso y afirma que desde que utiliza esa moneda, en corto tiempo, su pequeña empresa ha crecido un 10% y que le ha permitido contratar dos trabajadores más. La moneda no pretende acabar con el euro sino complementarlo, dicen sus fundadores.

Sus premisas: crear empleo y apoyar el pequeño comercio y la pequeña industria. A ello se le suma que un 3% de dicho dinero en circulación se dedica a apoyar obras sociales. Proyectos, por otro lado que son constatables por sus habitantes, los pisos de un colegio, alguna asociación de un barrio, el La Casa de la Historia y cultura de los trajes bávaros. los efectos de ese porcentaje les son cercanos y visibles, la gente misma escoge en una lista a cuáles obras quiere que sean dirigidos.

El tesorero de la Casa de cultura e historia de los trajes Bávaros

recibió en 2007 una ayuda de 137.000 para dicho proyecto.

Por otro lado su enfoque se inclina hacia los comercios sostenibles: agricultura y productos bio y energías limpias. Una relación de mayor solidaridad entre productores, distribuidores y comerciantes. Y tal como se ha mencionado antes, se busca estimular la economía local para que dicho poder adquisitivo permanezca activo allí donde se produce (y no en la cuenta de tres tipos "listos" en Suiza).

A partir de este enero ya han empezado a otorgarse los microcréditos a las personas emprendedoras con menos recursos. Eso sí, sin intereses, además ya se ha creado la tarjeta de débito correspondiente.

Una iniciativa desde todos los puntos de vista, interesante, solidaria y positiva ya que todos se benefician. Un dato curioso es que el Chiemgauer circula un 3% más rápido que el euro. Por otro lado, esa economía paralela les permitirá en el futuro poder hacer frente a los cambios a la baja del euro, ya que su moneda dependerá de la producción y consumo de ellos y no de esas entidades abstractas que la prensa llama a manera de ente todopoderoso "Los mercados".

Sí, eso parece, otro mundo es posible.

La página oficial es en alemán.

Blog del creador del proyecto.

Acerca del tema en un programa de TV en alemán-
Otro vídeo en alemán.

El mundo visto por Susanne Bier

2011-04-28T08:04:00.000+02:00

La directora danesa, ganadora de un Oscar en 2011.

Por segunda vez en su historia los premios Oscar le dan la estatuilla a la mejor dirección a una mujer. La película ganadora, en la nominación a mejor película de lengua extranjera, En un mundo mejor (2010), ha sido dirigida por la directora danesa Susanne Bier y, qué duda cabe, se puede afirmar que es de lo mejorcito que ha dejado dichos premios en su edición 2011.

La historia se desarrolla en un pequeño pueblo danés en el que se nos presentan una familia a punto de divorciarse. Anton, el esposo, trabaja también como voluntario (es médico) en un campamento africano de refugiados. Pero el verdadero protagonismo en esta película se lo llevan los niños. Elias, uno de los hijos de esta pareja, sufre acoso escolar, ensañándose los otros en su aspecto físico y la directora nos deja entrever el origen sueco de la familia y parte también de dicho ensañamiento para con el niño. Odio recíproco que Lars Von Trier ya ventiló en su divertidísima y terrorífica serie Kingdom Hospital o también titulada como Riget (2004) en el que su protagonista, sueco pero que vive en Dinamarca, siempre espetaba al asomarse por la ventana: "Escoria danesa". Por otro lado, está la historia de otro niño que llega al colegio, Christian, y que defiende a Elias ante sus acosadores, conviertiéndose a raíz de ello en una amistad que por momentos resulta más que peligrosa.

Temas como el amor filial y de pareja, la razón y tolerancia frente al odio y la violencia aparecen en esta película sin caer en lo maniqueo, ya que sus personajes nos revelan la complejidad del sentir humano.

Ambos mundos, esa África caótica de un campamento de refugiados y ese pueblecito de un país desarrollado se pueden comparar y llevar a preguntarnos ¿realmente ese 'desarrollo', nuestra vieja idea de civilización nos hace ser menos salvajes, brutales, caóticos?

La película, aún con final feliz incluido, llega a ser buena, bien narrada, actores magníficos, rítmica y de cierta forma original.

Contra la energía nuclear

2011-03-27T15:52:00.001+02:00

Ayer participaron unas 30.000 personas en la capital de Baviera en una manifestación en contra de la energía nuclear y contra las políticas del gobierno de Merkel al respecto. A pesar de la lluvia de las primeras horas la gente no se amilanó y bajo sus paraguas, chubasqueros o sin nada con qué protegerse, permanecieron en los alrededores de Odeonsplatz bajo el lema: Alle AKWS Abschalten, sí, "Desactivar todas las centrales nucleares". Alemania posee 11 centrales nucleares (Kernkraftwerke) operativas, las cuales suman 17 reactores. En la Baja Baviera se encuentra activa la Isar 1 (reactor) y 2 (reactor), cuyo cierre se tiene estipulado para 2019, para la primera, y 2034 para la segunda.

Aunque dolorosa, el fatal accidente de Fukushima sirve de coyuntura para llamar la atención a los políticos dentro de un contexto en el cual les será difícil quitarle importancia al tema, o como muchos vienen haciendo, vendiendo este tipo de energía como una alternativa válida. Si bien la mayoría de la energía que consumimos no es limpia, muy lejos está de compararse (me parece casi imposible) con los daños tan terribles a corto y largo plazo de los riesgos de las centrales nucleares.

Ciertamente, salir a participar en una manifestación es una reafirmación de uno como ciudadano activo, aunque los políticos y casi todos los medios se empeñen en que "tiremos la toalla" y creamos que nuestras voces son inútiles. Siempre disfruto ver a los niños en estas manifestaciones, agitando sus banderas, sus propios carteles, trompetas... con una pasión asombrosa. Sin duda es fundamental el papel de los padres en esta temprana toma de conciencia.

Cabe destacar que Alemania es el cuarto país consumidor de energía nuclear. Acá os dejo información mínima acerca de las centrales y su cantidad de reactores, en los cuales estriba una diferencia considerable de riesgo.

Estados Unidos: Posee 66 centrales nucleares, operativas, que suman un total de 105 reactores. En 2013 se tiene programado abrir una nueva.
Francia: Tiene 21 centrales nucleares en funcionamiento con un total de 58 reactores.
Japón: Posee 16 centrales nucleares operativas* y 60 reactores (*sumando la de Fukushima y sus reactores, que ha estado operativos antes del accidente).
Rusia: Tienes 13 centrales nucleares y cuenta con 31 reactores operativos.
España: Posee 6 centrales nucleares operativas, sumando 8 reactores en total.
En Latinoamérica solo tres países poseen centrales nucleares: Argentina (2 reactores y una central atómica en contrucción), Brasil (3 reactores y una central atómica en construcción ) y México (2 reactores).

Según datos de la IAEA (siglas en inglés de la International Atomic Energy Agency), en 2010 se inició la construcción de 14 centrales de energía nuclear:
China: 9 centrales nucleares ( a la que se le suman 18 en construcción iniciada en otros años)
Rusia: 2 centrales nucleares (a la que se le suman 9 iniciadas algunos años atrás)
Japón: 1 central nuclear (a la que se le suma otra iniciada en 2007)
Brasil: 1 central nuclear
India: 1 central nuclear (a la que se suman 5 más en construcción iniciada hace varios años)

Estas cifras nos permiten asomarnos al panorama de las centrales atómicas y su crecimiento mundial, también resulta interesante que países como Inglaterra posea quizá uno de los mejores números de cierres de dichas centrales, alcanzando unas 26 ya clausuradas y con una meta hasta 2014 de que se cierren otras 8, nada mal.

Hoy Japón, finalmente, admite que no sabe el alcance que tendrá la radioactividad que sigue extendiéndose sobre este país.

La agrupación de diversas asociaciones y partidos (unos 19) que luchan por este tema organiza para el próximo 4 de junio una acción para formar una cadena humana en torno al viejo reactor Isar1 y reclamar así su desactivación definitiva.

Una entrevista con el premio Nobel de literatura kezaburo Oé acerca del tema.

Los Oscar 2011 (II Parte)

2011-03-11T14:19:00.008+01:00

II Parte
De los actores

Mi entrada anterior se basó sobre mi opinión acerca de las películas nominadas, exceptuando las de habla no inglesa. Le toca el turno, en esta oportunidad, a los actores.

Las actrices protagonistas:

Annette Bening (Los chicos están bien): Ella es una actriz con carisma y convincente, pero este papel, tal como está concebido, tampoco es de Oscar.
¿Debió estar nominada?... creo que no era para tanto, aunque sidfrutable.

Natalie Portman (Cisne negro): Un muy merecido Oscar. La joven actriz permite adentrarnos a las fobias y miedos de esta bailarina, de una manera convincente.
¿Debió estar nominada?.. claro, una actuación que va a la altura de lo que unos esperan de dichos premios.

Jennifer Lawrence (Winter's bone) Si bien la chica es esforzada y desempeña su papel de manera enjundiosa, podría decirse que tampoco no nos acerca a muchos registros.
¿Debió estar nominada?.. no, aunque no sea mala, tampoco su actuación está a la altura de los Oscar.

Michelle Williams (Blue Valentine) Un actriz joven que se ha tomado su tiempo para madurar y que cada día lo hace mejor. Una actuación convincente que da vida a un personaje que nos hace que sea vivo, de carne y hueso.
¿Debió estar nominada?... definitivamente, esta chica promete más nominaciones.

Nicole Kidman (Rabbit hole) la decisión de abandonar el botox ha sido muy inteligente de su parte. Tenemos de vuelta a una actriz que trabaja duro y que hace un muy buen trabajo. Aunque no levanta en mí emociones demasiado intensas.
¿Debió estar nominada?...sí, es la clase de actuaciones cargadas de drama a las que se les puede sacar partido y ella lo ha hecho muy bien.

Los actores protagonistas:

Javier Bardem (Biutiful): Sin duda la película tiene suficiente drama del que tirar y Bardem le saca punta provechosamente, Excepcional actuación, poderosa en cada una de sus escenas, lo que nos confirma que es uno de los mejores actores de su generación.
¿Debió estar nominado?...indudablemente. Lástima que la cercanía, al menos en nuestras memorias) (en 2008) con su anterior Oscar lo haya alejado de la posibilidad de ganarlo esta vez, le pasa lo que a Jeff Bridges.

Colin Fihrt (El discurso del rey): comparto la opinión de Gregorio Belinchón (El País), de que Fihrt hace de un defecto (un tanto soso, aunque correcto) una fortaleza. Está bien en su papel aunque no deja de ser algo desabrido.
¿Debió estar nominado?...sí, es sin duda un buen actor, pero siempre siento que le falta un poco de alma para emocionar.

Jesse Eisemberg (La red social): Bueno, el chico no lo hace mal pero no entiendo que nominen hasta el del carrillo de los helados, tiene la misma cara de asombro toda la película.
¿Debió estar nominado?... no, son esas cosas que no te terminas de explicar por qué suceden.

James Franco (127 horas) Debo sospechar que el manager de Franco tiene unos contactos que valen oro. Entrar a estas nominaciones y también presentar la gala de los Oscar, siendo un perfecto desconocido y con una actuación tan mediocre ¿cómo lo ha hecho?
¿Debió estar nominado?... no, es totalmente inexplicable. Lo único que cambia de su cara en la peli es gracias al trabajo de maquillaje.

Jeff Bridges: Este actor pareciera que ha alcanzado su esplendor en los últimos años. Le pasaba un poco lo que a Bardem, han sido recientemente premiados y es muy difícil llevarse dos Oscar un año tras otro.
¿Debió estar nominado?... claro, una pena que no se haya llevado la estauilla él o Bardem, los mejores sin duda de la lista.

Las actrices de reparto:

Amy Adams (The fighter): Una actriz que goza de merecida fama, siempre convincente, en esta oportunidad da vida a una bartender, muy bien en su papel de chica de pueblo, nos llega a convencer a cada rato.
¿Debió estar nominada?... por supuesto, un placer verla en cada una de sus actuaciones.

Helena Bonham Carter (El discurso del rey): Me gusta especialmente esta actriz, aunque este papel la verdad era tan pequeñín que no sé si podiamos apreciarla del todo.
¿Debió estar nominada?... siempre lo hace bien, y es una eterna nominada.

Melissa Leo (The Fighter): Ha sido la ganadora en esta categoría. Totalmente de acuerdo, un personaje creíble, fuerte y magistralmente interpretado. Ha sacado provecho de este papel que sale de los tópicos y de tintes casi hiperrealistas.
¿Debió estar nominada?... absolutamente. Muy bien merecido, que se haya llevado el Oscar.

Hailee Steinfield (Valor de ley): Su personaje comparte similitudes con la de Winter's bone, no solo el género de su historia, sino que interpretan, ambas, a jóvenes de gran fortaleza y muy decididas. Su actuación es magnífica, dota al personaje de un carácter único, mezclándose candidez y determinación. Los Coen saben crear personajes, sin duda, no en balde muchos de sus actores entran a las nominaciones con cierta frecuencia.
¿Debió estar nominada?... sí, una revelación absoluta.

Jacki Weaber (Animal Kingdom): Pertubador personaje que juega con los tópicos de la madre dulce y cariñosa. Una actuación inquietante y poderosa. Una actuación pelipúntica.
¿Debió estar nominada?... sí, estaba segura que si no se llevaba Leo el premio, sería ella quien lo obtendría.

Los actores de reparto:

John Hawkes (Winter's bone): Una actuación convincente, un actor que llena con su presencia la pantalla, impecable.
¿Debió estar nominado?... claro que sí, su personaje está vivo.

Christian Bale (The Fighter): Quizá uno de los premios menos polémicos, por así decirlo, ya que todos caímos rendidos a los pies de su actuación. Bale nos trae un personaje con las mismas dimensiones de la humanidad, es decir, nada de estereotipos, es un yonki, sí, pero es atinado en sus razonamientos (recordemos que aconseja bien la estrategia de pelea del hermano, entre otras cosas), un desastre consigo mismo, pero cariñoso con la familia, los amigos, un ser humano con sus miserias y, aunque no glorias, sí aciertos. Un actor de método que cada día es más gozoso verlo.
¿Debió estar nominado?...No solo eso, sino que también se mereció rotundamente este Oscar 2011.

Mark Ruffalo (Los chicos están bien): Es un actor con carisma y que está bastante bien en su papel, fresco, te lo crees y cae bien. tampoco la película le da para más.
¿Debió estar nominado?...Bueno ¿por qué no?

Jeremmy Renner (The Town): Un actor que poco a poco se va haciendo un hueco en las nominaciones de los Oscar. Ya el año pasado fue nominado a mejor actor principal, por actuación en la ganadora de la Academia 2010, En tierra hostil.
¿Debió estar nominado?...Sí, siempre dota de verosimilitud a sus personaje, además de imprimirles mucha fuerza.

Geoffrey Rush (El discurso del rey): Había leído las excelentes críticas de su actuación en esta película, y la verdad me decepcionó porque no vi nada extraordinario en en ella. Al contrario, aunque Rush da a sus personajes una teatralidad que puede ser interesante, al mismo tiempo me pareciera que su registro se va haciendo cada día más monocorde. Como si interpretara a un personaje siempre (exceptuando Shine, claro).
¿Debió estar nominado?... De acuerdo, está bien para una nominación.

Los Oscar 2011

2011-03-06T18:32:00.010+01:00

I Parte

De las películas

Una vez más, la Academia de Cine Americano hizo su entrega de premios 2011, la cual osciló entre lo predecible y la más absoluta falta de apuestas que se acerquen a ese tipo de cine que pondríamos en una lista de películas inolvidables. Nada de riesgo, películas (claro que no todas, pero sí las más promocionadas) que se pueden ver en la tele un domingo en casa. Hace un par de años publiqué una entrada que se titulaba Dame un personaje famoso y te daré un Oscar... y puedo afirmar que se ha cumplido la norma- El personaje del Rey Jorge VI ha puesto en bandeja de plata a un correcto Colin Fihrt el Oscar a mejor actor en las manos. Por su parte, un equivalente a los personajes y sus biopics son los personajes extremos, borderline o con problemas y/o enfermedades importantes físicas o mentales: Forrest Gump, Shine, Mi pie izquierdo... En en The Fighter, un crecidísimo Christian Bale, ganador en esta oportunidad del Oscar a mejor actor de reparto, da vida a un ex boxeador yonki adicto al crack. Por su parte, Natalie Portman, quien se hiciera con el Oscar a la mejor actriz, interpreta a una mujer, en Black Swan (Cisne negro), que se adentra en las oscuridades de la psique.

Pero, aunque lamento no haber visto todas las películas extranjeras nominadas, me propongo a dar mis veredictos de los premios Oscar 2011 y dejaré de lado este apartado, por su dificultad para poder verlas todas.

Las películas

La red social: David Fincher tiene tras de sí películas tan destacables como Seven, Zodiac y otra a la que le ha pasado el tiempo: El club de la lucha. En esta oportunidad hace gala de su veteranía como narrador, con una película correcta, bien contada, con ritmo y un tema de actualidad, por así decirlo. Aún así, la película no deja de ser un buen entretenimiento que podríamos quemar un domingo en nuestros televisores. De ocho nominaciones se hizo con tres: mejor guión adaptado, música original y montaje. Una película que seguramente será olvidada con el paso del tiempo.

¿Debió estar nominada? ... bueno, viendo el panorama y la buena taquilla que tuvo, por qué no.

Cisne Negro: El director Darren Aronofsky nos trae de manera contundente un thriller psicológico de gran factura. Excelentes actuaciones, exceptuando la de Vicent Cassel, una dirección impecable sin uso de recursos gratuitos, buen ritmo, suspense in crescendo... aplaudo el uso de los espacios cerrados, en la película apenas hay exteriores, cuestión que remarca el agobio y encierro casi asfixiante (real y metafórico) de su personaje.

¿Debió estar nominada?... sin duda, una excelente película.

The Fighter: De las mejores sorpresas de las nominaciones. Muy bien dirigida, con cierta frescura en su naturalidad al presentar los personajes, provenientes de la América profunda. Las actuaciones son destacables, aunque no así la de su protagonista, que está más bien correcto. Fabulosa esa familia numerosísima que nos dibuja, con esas hermanas que son una suerte de corte de los milagros con peinados de los años ochenta. Puede refutársele al director el final demasiado made in Hollywood.

¿Debió estar nominada?... desde luego, una historia del boxeo muy original en sus formas.

Los chicos están bien: Una de las dos directoras que entraron en la recta final de la lista de las nominaciones, aunque, lamentablemente, pienso que este film no tiene la altura de una nominación como mejor película. Entretenida, sin duda, una historia bien contada pero sin fuelle. Aunque sus protagonistas son una pareja gay, vemos la película salpicada de pequeñas moralinas, como las increpaciones a Nic (Annette Bening) cuando intenta tomar otra copa de vino... según lo que vemos en la historia, esto no le causa ningún problema en su vida, es decir, no es alcohólica, lleva bien su trabajo y lo único que le altera es una situación excepcional en su vida. Entonces ¿porqué a parece varias veces esas increpaciones que remarcan como rasgo negativo? También es criticable el castigo gratuito que la directora impone al personaje masculino ¿pero, qué ha hecho el pobre que no haya hecho su otra protagonista? Un final con tufo moral en donde triunfa el amor de la familia.

¿Debió estar nominada?... umh... pienso que no estaría a la altura del premio.

Toy Story 3: Lamento no poder opinar de este film de animación que ha recibido entusiastas críticas. Tarea pendiente. Aunque confieso que aunque muchas son extraordinarias, pocas quedan en mi memoria como inolvidable.

El Discurso del Rey: Un biopic de una figura monárquica, una historia de autosuperación, todo ello lo contiene la película ganadora de los Oscar de este año. Confieso que me pareció peor de lo que esperaba, aburrida y monocorde, pareciera que lo único que vive y padece Jorge VI es su tartamudez. También me resultaron poco creíbles ciertos detalles de la monarquía, como la reina besando delante de la gente al rey, una enfermera pasa sobando el brazo del rey enfermo... ¿ha intentado alguna vez tocar un inglés que tiene con usted cierta distancia, es decir, que no es un amigo cercano? pues eso, es imposible, imagínelo ahora con la realeza. Lo peor, el abuso de los primerísimos primeros planos, ojo de pez, etcétera sin ninguna justificación narrativa, simplemente al director le molaba y punto.

¿Debió estar nominada?... sí, viendo que es un producto que pueden venderse en plan toda la familia va al cine.

127 horas: Danny Boyle arrazó con los Oscar en 2009 con Slumgdog millonaire, esta vez, repite su entrada en las nominaciones con esta película en donde el artificio tan propio de este director rebosa en cada uno de sus planos. Un comienzo de vídeoclip que se empeña en alargar más allá de la presentación de los créditos, una pantalla con tres planos distintos (cuestión que hiciese con más tino hace 15 años Greenaway en de Pillow Book) , que no entendemos a qué se debe, y debemos suponer que es que al director le molaba, pero narrativamente no aporta nada. De las más aburridas de la lista e insoportable por sus aspiraciones tramposas.

¿Debió estar nominada?... ¡no! esto es lo que pasa con esta nueva fórmula de la Academia al ampliar su lista de nominaciones, a veces hay que sacarlas bajo de las piedras.

Valor de Ley: Los hermanos Coen han recibido un aluvión de buenas críticas por esta película en la que desempolva un género tan olvidado como el Western. Si bien comparto la opinión de la calidad de True Grit (título original), con buenas actuaciones, acción, personajes maravillosos como creación en sí misma, también debo decir que a mitad de película pierde un poco de fuelle y aburre un tanto. De todas formas, vale la pena verla.

¿Debió estar nominada?... sí, por traernos un género tan en desuso en tan buena forma.

Origen: Aplaudo la originalidad de esta historia, son de esas películas que valen la pena verla pero que se pierden en los vericuetos de esa misma "originalidad", ciencia ficción que en su final intenta darle un peso psicológico que hubiese sido mejor sacar punta desde el comienzo. Los personajes secundarios se me antojan demasiado desdibujados y a mitad de película pareciera que se le acaba el presupuesto para los efectos, como en las escena en la nieve, cae allí la película y hace sentir que le sobra metraje.

¿Debió estar nominada?... sí, si está la de El Discurso del Rey... ¿por qué no esta?

Winter's bone: Quizá la menos comercial del lote de nominaciones, muy bien contada, una suerte de western y thriller que se desarrolla en un pueblo alejado de la mano de dios. Muy buen manejo del suspense, de la contrucción narrativa sin grandilocuencias y con un manejo de la historia que no desfallece ni en ritmo ni interés. Otra mujer que se abre paso en las nominaciones de este año. Esta película tiene un poco del espíritu de la excelente Frozen River.

¿Debió estar nominada?... desde luego, el cine en estado más puro sin tanto artificio ni trampa pirotécnica.

La II parte, De los actores, recogeremos suscintamente los nominados por sus actuaciones.

Una crítica de Gregorio Belinchón que comparto en buen grado.

Una interesante visión de Black Swan desde la psiclogía en el blog DigiZen.

Todo paisaje se traduce en viento

2011-02-21T12:44:00.000+01:00

Todo paisaje se traduce en viento
las hojas al moverse
el sonido

quizá una ola
la arena del desierto que se levanta
un remolino
acá dentro

hemos despertado antes de la aurora
en un silencio enorme
e irreal
cómo saber si aún permanecemos en el sueño
las ventanas como si respirasen
la inmovilidad
de los objetos que nos inquietan

todo ocurre temprano
o tan tarde

miento

la casa empieza a iluminarse
te tapas el rostro
al que apenas concedo un parpadeo

afuera
es posible que amanezca
sin nosotros.

Múnich, 21 de febrero de 2011

Quemar las naves del arte e inventar la utopía

2011-02-06T19:11:00.000+01:00

Barcos capaces de cruzar las arenas del desierto, seres coloridos, hermosos y extraordinarios, cuerpos desnudos o semidesnudos, bailarines bajo el sol o la noche, caravanas que parecieran salir de uno de los sueños de Fellini, todo esto y más engloba a Burning Man, festival que este año cumplirá su 26 aniversario.

Extremo en el mejor sentido del término, Burning Man es un festival artístico que rescata la libertad y creatividad en lo que podría denominarse un espíritu neo-hippie, el arte, participación y celebración a través de performance, instalaciones, vehículos mutantes y cualquier otra forma de expresión artística es aquí bienvenida.

Encuentro una suerte de "receta" que define bien al festival:

1/2 taza de rave
1 taza de Mad Max
Circo
y un poco de psicodelia y alcohol

Echar una mirada a lo que allí sucede hace volar inmediatamente la imaginación, belleza, creatividad y buen rollismo como respuesta a un mundo que cada vez es más aburridamente global y homogéneo. Cada año se reunen miles de personas en el desierto de Nevada para crear una y otra vez una ciudad utópica y efímera en su belleza más infinita: The Black Rock City. En 2010 alcanzó el record de asistencia con 51.000 participantes. El espíritu de libertad que su creador y visionario Larrey Harvey se condensa en algunas máximas que retratan bien todo ello: no acepta patrocinadores y hay que dejar el desierto tal cual se encontró.

En estos tiempos, celebro que cosas como esta sucedan y crezcan como dicho festival. El último día, el icono del hombre se enciende con fuego, el espíritu vivo del hombre arde: purificación y transformación elemental que da paso a nuevos festivales en los que se va cambiando de tema.

Entre los mandamientos que dan sentido al festival, vale mencionar lo que ellos llaman la inclusión radical, ya que son bienvenidos todos a participar, cero patrocinio comercial (como ya se dijo antes) y cero publicidad comercial y, lo más importante: "Buscamos superar las barreras que se interponen entre nosotros y el reconocimiento de nuestros ser interior, la realidad de aquellos que nos rodean, la participación en sociedad y el contacto con un mundo natural que excede al poder humano. Ninguna idea puede sustituír esta experiencia".

Todas las fotos de este post han sido realizadas por el excelente fotógrafo Scott London. En su página web puede verse todos los Burning Man que éste ha cubierto desde 2005. Simplemente, fantástico.

Cómo me gustaría ir.

Lo que dejó el cine en 2010

2011-01-29T12:01:00.008+01:00

Las mejores y peores películas

(estrenadas en España en 2010)

Arriba, fotograma de La vida en tiempos de guerra (2009) y,

abajo, fotograma de Happinnes (1998) del singular director Todd Solondz.

Este año no podía faltar mi top ten (o algo más o menos que ten) de películas que he visto en 2010. Han sido más que diez, las buenas y las malas, claro, pero trataré de precisarlas dentro de este número. También debo aclarar que las películas estrenadas a finales de año, me permitiré incluirlas o sacarlas según la haya visto o no. Por ejemplo, Biutiful aún no la he podido ver, así que quedaría fuera de este ranking.
Al no ejercer la crítica como una profesión, sino como una afición apasionada, dejo también fuera de mi lista de películas a aquellas que daba por sentado iban a ser malas, y que, por ejemplo, están en la lista de los premios Razzies, como son los casos de Eclipse o Sex on the City 2. O bien algunas veneradas por parte de un público pero que he evitado ver hasta ahora por serias sospechas.

Las mejores películas de 2010

1- La cinta blanca: El director Michale Haneke siempre nos trae historias duras pero contadas de manera singular y con maestría. Ganadora en 2009 como mejor película según la Academia de Cine europea. Este blog le dedicó una entusiasta crítica a esta obra maestra del cine contemporáneo. No deja de "asombrar" la mediocridad de los premios Oscar, ya que esta película perdió como película extranjera ante una bastante normalita El secreto de tus ojos, que no está mal como entretenimiento, pero no creo que pase a formar parte de las grande obras del cine del siglo XXI. No hay punto de comparación entre una y otra, realmente.

2- Un Profeta: en 2009 fue nominada a mejor película europea, según la anteriormente citada academia. El director francés Jaques Audiard se nos presenta nuevamente como un narrador certero y con un drama carcelario tan universal como único, en sus formas. Nuestros amigos de Os bobolongos le dedicaron un crítica estupenda que os dejo y que os aconsejo leer.

3- Canino: una de las mejores sorpresas del año pasado viene de Grecia, y suena como una de las favoritas a mejor película extranjera de los Oscar 2011. Casi tan dura como la de Haneke, Canino es una historia que sorprende por su propuesta que no da concesiones pero que a su vez te recrea un mundo tan creíble como sorprendente. Los códigos (relación, lenguaje, identidad) se trastocan para crear una realidad ad hoc que permite la manipulación semejante a la de los estados totalitarios. Excelente. Por su perfil nada comercial y transgesor, seguro que no ganará el Oscar.

4- Fish Tank: la directora inglesa Andrea Arnold vuelve a traernos una historia de mujeres, periferias y afectos. Nadie como ella para contar la vida de una joven adolescente que busca su identidad dentro de un entorno complicado. Cine que mezcla lo social, inteligencia y emoción, por lo que se hizo merecedor de una crítica, más que efusiva, en este blog. La película ganó el premio del jurado en el Festival de Cannes (2009).

5- La vida en tiempos de guerra: quizá Todd Solondz es uno de los más célebres directores para minorías. Sus historias suelen ser cáusticas, juegan con el absurdo, lo monstruoso y con todo lo que se esconde en el orden social establecido. En esta película vuelve con sus personajes de Happiness (1998), convirtiéndose, más que en una suerte de secuela, una recreación antojadiza del supuesto presente de estos personajes, como si supiera, su director, que dicha historia tiene aun más que contar. Premiada en el Festival de cine de Venecia al mejor guión (2009).

6- En tierra hostil: Este blog, antes que dicha película obtuviera el Oscar 2010 a la mejor dirección, este blog le dedicó una entrada en la que se elogiaba el trabajo de Kathryn Bigelow. Cine es estado puro.

7- El silencio de Lorna: Los hermanos Pierre y Luc Dardenne nos traen una historia de inmigrantes albaneses, retratando, a través de ellos, la sordidez de las mafias y los conflictos que pueden acarrear los matrimonios convenidos para obtener una determinada nacionalidad. Ganó en 2008 premio al mejor guión en el Festival de Cannes.

8- Un tipo serio: otra pareja de hermanos, esta vez los Coen, presentan una historia que podría definirse como un mano a mano entre la intención de ser versus el destino. Un hombre normal, profesor universitario, judío, casado y con hijos que solo aspira a seguir siendo todo esto, el destino le irá desarmando cada una de sus aspiraciones de permanencia en todo aquello que parece estable. Excelente comedia negra al más puro estilo Coen Bros.

9- Conocerás al hombre de tus sueños: Woody Allen no falta a su cita actual y nos trae su película de 2010. Ligera, sin ser una obra maestra, aplaudo el rato de entretenimiento que casi siempre nos hace pasar. Una comedia de enredos amorosa llena de ritmo, diálogos fantásticos y personajes siempre creíbles en su lado más terrenal. Banderas, el más soso de todos en su interpretación. Ni el gran Woody pudo hacer algo con él.

10- The Ghost writer: Titulada en España como El escritor, es un thriller singular de un escritor negro (según la 17. acepción de la RAE), que se propone a escribirle la autobiografía a un ex primer ministro británico. Lo que en principio comienza como una tarea latosa, bien remunerada, se convertirá en una complicada y excitante trama. Bien dirigida e impecable.

Las peores películas de 2010

1.- Didi Hollywood: Echamos de menos al Bigas Luna en su mejor forma, un director que ha demostrado con muchas películas que sabe hacer cine, pero que en los últimos años insiste en películas que preferimos olvidar. Si se quiere hacer una buena película lo primero que debemos evitar es poner a Elsa Pataky de protagonista. Su gran belleza no es suficiente.

2- Precious: Creo que esta premiada película ha tenido gran éxito por su historia (basada en una real) terriblemente dura. La actuación de su actriz principal es tan olvidable como el film y el director cae continuamente en recursos típicos de los vídeos musicales.

3- The girlfriend experience: Nunca, los secretos de una prostituta de lujo fueron tan predeciblemente aburridos. De las peores, sin duda. Se demuestra una vez más que su director, Steven Soderbergh, es bastante irregular, capaz de hacer un par de películas excelentes y muchas, muchas entre malas y correctas.

4- Balada triste de trompeta: Alex de la Iglesia es sin duda un buen director, pero es esta última película pareciera que todo se va en pirotecnia y que la narración de se le sale de las manos entre el desmadre y el estancamiento narrativo. Lo mejor, los créditos al principio. Por otro lado, aunque me gusta mucho como caricaturista, pienso que no dejaba de pensar en la actuación de Carlos Areces , que se me hacía muy similar a sus actuaciones como friki en el conocido programa español de humor: La hora chanante.

5- El hombre lobo: Ni el mismo sir Anthony Hopkins pudo salvar esta película del desastre. Una dirección tosca y arrítmica en la que el director no logra cambiarle la expresión en toda la película a su carismático protagonista Benicio del Toro. Un gran mito tirado por la borda.

6- Los hombres que miraban fijamente a las cabras: Con buenas intenciones pero de resultado lamentable. Una comedia desarticulada, aburrida y que se siente en todo momento un dejo de improvisación en el peor sentido del término.

7- Up in the air: Celebrada por una parte de la crítica, pienso que no deja de se una película pretensiosa en su intención de ser crítica con un statu quo de los empleos de hoy en día. Todo ello se queda en la nada y, lo que es aún peor, siempre se cuela el tufillo moralista americano: casarse, tener familia propia, "estabilizarse", y se deja de un lado el fondo la cuestión moral que implica su trabajo: Todo se queda en la superficie.

8- El Americano: Quizá, su director, cojea siempre de anteponer la forma y olvidar el fondo. El director holandés Anton Corbjin lleva el lastre de su gran carrera como artista reconocido de vídeo-clip, por lo que se le hace difícil sostener la trama, resultando aburrida desde los primeros diez minutos. Una vez más el carismático y esforzado Clooney aparece entre esas pelis que intentan ser interesantes pero que no se arriesgan en pos de la comercialización, supongo.

9-10- Los dos últimos puestos los declaro desierto. O bien me cuido de ver películas malas y este año la lista queda hasta acá o, quizá, también mi memoria trató de protegerme de un infame recuerdo fílmico...

Otras muy recomendables: Shutter Island (Martin Scorsese; 2010), Origen (Christopher Nolan; 2010), Teniente corrupto (Werner Herzog; 2009), Yo soy el amor (Luca Guadagnino; 2009), La nana (Sebastián Silva; 2009), Lourdes (Jessica Hausner; 2009), Celda 211 (Daniel Monzón; 2009)

Vuelta al blog, pasando por Fez y Marrakech (II)

2011-01-23T15:07:00.002+01:00

II entrega: Marrakech

Dos mujeres caminan por las calles de la medina y sus zocos.

Fundada en el siglo XI, ruidosa, de muros rojizos, movimiento incesante y quizá más llena de turistas que Fez, Marrakech es una ciudad que ofrece tantos matices como pequeñas sopresas en cada uno de los espacios de su medina antigua. Pero hay un punto que para mí lo es casi todo de la visita: la plaza Jemaa el-Fna, la cual fuera declarada por la Unesco, en 2008, Patrimonio cultural inmaterial de la humanidad.

Plaza Jemaa el-Fna.

Cómo olvidar nuestra llegada a la plaza como a las 7 de la tarde: ya era oscuro, las luces y el humo de los puestecitos de comida se divisa a lo lejos, uno se va a acercando y escucha voces, cantos, tambores, cítaras y gente, mucha gente. Luego, círculos de personas, autóctonas en su mayoría, se agrupan en torno a músicos, cuentacuentos, bailarines, juegos. Maquilladoras de hena, sacamuelas, vendedores de zumos maravillosos, de especias, lámparas, dulces, té... De día, encantadores de serpientes y amaestradores de monos se mezclan con los llamativos aguadores de la ciudad. Todo lo que sucede en la plaza, todo, viene haciéndose desde hace cientos de años.

Un juego de pescar la botella. Plaza Jemaa el-Fna.

Puesto de comida en la plaza.

Se dice que los cuentacuentos, al igual que en Las mil y una noches, dejan el desenlace de la historia para la noche siguiente. Las caras de los asistentes son tan dignas de mirar como sus artistas, ya que están completamente imbuidas por el espectáculo, viviéndolos intensamente. No es un show para guiris, es arte para ellos mismos a la que podemos acercarnos y también disfrutar.

Dos músicos magníficos cantan canciones populares.

Plaza Jemaa el-Fna.

Si uno es un viajero atento, sabrá que si un turista quiere tomar una foto, deberá pagar un tarifa mínima de 20 dirhans que equivalen a unos 2 euros. Sentía vergüenza ajena cuando veía a esos turistas, con sus cámaras costosas, querer no pagar por ello, o darle algo parecido a una tacaña limosna. Son artistas que salen a la calle a hacer sus oficios y los que no lo son, como los aguadores, como mínimo hay que pagarles por la molestia de hacerse fotografiar ¿os imagináis trabajando en un banco y cada 10 minutos venga gente a hacerse una foto con vosotros?

En la noche aparecen los hombres que imitan el

contoneo de los bailes femeninos.

Ignoro qué hacía este hombre con su lamparita, papeles y tintas.

Mi imaginación me remitió a esos escribas de cartas o no sé si le enseñaba caligrafía árabe.

Ese espacio es magia, pura magia hecha de la energía maravillosa de una ciudad que está viva y que como escribí en mi otro post, por lo menos por ahora, está lejos de ser un parque temático.

Más fotos

Encantadores de serpientes.

La plaza Jemaa el-Fna de día.

Un aguador posa para la cámara.

La mezquita Koutoubia cuyo modelo sirvió de inspiración para la Giralda de Sevilla.

Palacio de Mehedi Mnebhi.

Madraza Ben Joussef, del siglo XIV.

Zellij (alicatados) de la madraza.

Una de las constantes imágenes del zoco.

Los curtidores de lana y telas.

Mezquita de Sidi Ben Abbas, patrono de los ciegos.

Especias hermosamente presentadas.

Patio de honor del Palacio Bahia. Finales del S. XIX.

Detalle de un muro de las Tumbas Saadíes (1603-1627).

Detalle. Jardín Majorelle.

Más y más especias: formas, olores colores...

La afición culé es impresionante.

Fue inevitable recordar El Elogio de la sombra de Tanizaki.

Una cultura que ama la belleza de la penumbra.

Vista a lo lejos de la mágica plaza Jemaa el-Fna.

Dónde comer

Vuelta al blog, pasando por Fez y Marrakech (I)

2011-01-16T14:17:00.005+01:00

I entrega: Fez
.

La cuesta de enero, sí, me ha llevado una semana completa acostumbrarme a la cotidianidad, pendiente de escribir en el blog y claro está, hacer una pequeña crónica de mi reciente viaje a Marruecos. África y el mundo árabe unidos por la historia y la cultura.

La intrincada belleza medieval de Fez
Una ciudad con 1200 años de existencia, fundada por un descendiente directo de Mahoma, Idrís I, centro no solo fundacional sino también espiritual del país, se conserva su medina, hoy en día, de una manera excepcional. Y no en el sentido de esas conservaciones tipo "parque temático", sino que se conservan en la vida cotidiana de sus habitantes y profunda y rica cultura.

Acostumbrados como estamos a ver ya los productos en las tiendas, es maravilloso pasear por las calles de la medina antigua y ver a los artesanos trabajar en sus tiendas, bordando kaftanes, suavizar el cuero y curtirlo, fraguar en sus tiendecitas de caprichosas lámparas... las mulas son el único transporte que transita por sus laberínticas callejuelas. Los fasíes son muy amables, siempre dispuestos a ayudar, quizá agobie un poco los pequeños tratando de fungir como guías turísticos, captan el idioma de los visitantes con tan solo verlos: ¿De dónde? dice el pequeñajo: de Madrid, respondemos; y siempre recibíamos por respuesta que ellos eran del Barça, para alegría de mi amado compañero que, aunque es de Madrid es un culé acérrimo.

La siesta del tendero. Medina antigua de Fez.

Pernoctamos, para nuestra suerte, en la medina antigua y no podemos olvidar nuestra llegada, el taxi dejándonos a las puertas de esa antigua ciudad, en donde los mapas son completamente inútiles y las calles son tan estrechas que parece en muchos casos un interminable túnel, hay vida, gente subiendo y bajando, la ciudad se mueve incesantemente, respira, respira...

Según Wikipedia "es de los mayores emplazamientos medievales que existen actualmente en el mundo"; es por ello, entre otras razones, que en 1981 fue declarada por la Unesco Patrimonio de la humanidad. Uno de los sitios más visitados son las curtidurías de Chouwara en la que siguen tiñéndose los cueros de la misma forma en la que se hacía en la edad media. El cuero que se produce en Fez goza de buena fama, considerándosele como uno de los mejores del mundo.

Un hombre seca al sol las pieles teñidas.

Curtiduría de Fez.

Entre las callecitas, en cualquier momento el visitante se topará con el mercado, en el que acuden los lugareños para su cocina cotidiana. Las naranjas y mandarinas de Marruecos son de una calidad excepcional.

La carne de camello se prepara de muchas formas,

como el clásico tajine.

Os dejo más fotos para disfrutar de un paseo por esta magnífica ciudad imperial.

Calle de la medina antigua de Fez con paredes apuntaladas.

Mezquita y universidad islámica Qarawiyyin (año 845).

Mezquita y universidad islámica Qarawiyyin.

La riqueza de las telas es de una delicadeza sorprendente.

Madraza (escuela religiosa) Bou Inania. Tiene un reloj hidráulico cuyo

sistema de funcionamiento aún se desconoce (Años 1350-57).

Detalles de los muros de la madraza Bou Inania.

La delicadeza de los tejidos de las alfombras al igual

que su cerámica supera al de muchas ciudades.

Los turrones marroquíes son deliciosos

y ligeramente menos dulces que los europeos.

Una preciosa panadería.

Mezquita.

Hay que probar los frutos secos de esta tierra, los precios de los dátiles

puede variar tremendamente por su calidad, triplicando, incluso, su precio.

Vendedoras de especias.

Las tiendecitas tienen una compleja y armónica

disposición de sus productos.

La coqueta plaza As Seffarine.

´´

Medina antigua.

Murallas de la ciudad.

Las babuchas también se adaptan a los nuevos gustos de los compradores.

Detalles de Zauia (mausoleo) de Mulay Idriss II, quien completara la fundación de Fez iniciada

por su padre. Uno de los lugares más sagrados de los marroquíes.

Dónde comer en Fez

De vacaciones por navidades

2010-12-11T10:51:00.001+01:00

Queridos amigos lectores, es hora de hacer una parada para disfrutar plenamente de las fiestas navideñas que exigen mucho tiempo parea compartir y celebrar. Ayer he cogido mi cámara, aprovechando que había un poco de sol e hice algunas fotos de la ciudad, Múnich, la cual vive intensamente las fiestas navideñas. Una de las cosas que me asombró al conocer un poco de la cultura de estas tierras es que tienen fiestas para disfrutar de la calle en cada una de sus estaciones (si no, permanecerían prácticamente encerrados durante seis meses solo yendo de la casa al trabajo). Así que los mercadillos de navidad no solo es un espacio para el comercio, sino que uno se cita allí con los amigos en medio del frío y las bellas decoraciones. Se come algo y se toman bebidas calientes, así que en medio de unos -7 ºC uno está allí, como si de un bar se tratase, o una feria, es fantástico.

Hay mercadillos en cualquier pedazo de acera o plaza que se preste (en el aeropuerto, en los trabajos, cuando son compañías grandes, etcétera), en los que encontramos figuras para el belén, o para el árbol, regalos, artesanía y claro, muchos postres y diversas comidas en las que nunca faltan las famosas salchichas, aunque hay más delicias que saborear.

El Glühwein, por ejemplo es una de las bebidas típicas de los mercadillos, que ayuda a combatir el frío. Consiste en una suerte de cóctel con vino tinto, a veces un poco de ron, canela (a veces anís estrellado) y conchas de naranja, se sirve caliente. La verdad no es mi bebida favorita, pero si quieres compartir el ambientillo con los amigos allí no quedan muchas opciones. Me gusta más, aunque es un poco menos popular el Feuerzangenwolle, es muy parecido al Glühwein pero a la hora de servir se enciende un terrón de azúcar con unas tenacitas encima de la bebida, así que uno se toma esa bebida recién flambeada.
Bueno, os deseo unas felices fiestas y lo mejor para este nuevo año que comienza. Pasadalo bien.

Cuatro hermanas y un libro

2010-12-01T17:47:00.001+01:00

En mi último viaje a Gijón he vuelto a la librería La Buena letra. Su dueño esta vez me recomendó el libro, que ya va por su cuarta edición, Cuatro hermanas (Moonflower vine, 1962), de Jetta Carleton (Holden, Misuri, 1013-1999).

La novela ha sido publicada por la editorial Libros del Asteroide. Como curiosidad, Carleton tuvo un gran éxito al publicar este primer libro, pero que terminó siendo el único que llegó a ver la luz como libro editado. La historia es simple, una visita de las hermanas a la granja de sus padres nos deja entrever sus vidas y, a medida que avanza la historia, podemos adentrarnos a sus pasados, llenos de secretos e historias de sueños, amor filial o carnal. El libro se estructura con un comienzo en el tiempo actual de su narrador, y luego se divide en capítulos dedicados a cada uno de los personajes de la familia, en donde podemos ahondar en el pasado de cada uno.

Sin duda Carleton tiene una prosa fluida, insufla a sus personajes vida y verosimilitud, y uno puede imaginar los prados de Missouri, la granja, y toda la vida de pueblo que allí se describe. Las historia familiar junto con las individuales se vuelve un hermoso mapa de las emociones y la memoria.

Para leer un extracto.

Pastillitas como poemas

2010-11-26T09:05:00.000+01:00

Siempre me ha fascinado México. La conozco de oídas y leídas, sus artistas y fantásticos escritores, su invaluable cultura popular. Hace días, buscando vídeos en internet sobre César Aira, encontré una maravilla que sobrevive en esos espacios fagocitados por lo más burdo: la televisión.
El autor, José Gordon, crea junto a un equipo de jóvenes ilustradores, animaciones de una gran factura tanto visual como de contenido. Es de celebrar la gran capacidad de síntesis de los mismos, ya que en menos de dos minutos, nos acerquemos a la obra de algún artista o al trabajo de alguna figura prominente del pensamiento. La serie de micros o cortos cortísimos se llama: Imaginantes. Pasen y vean:

El Mago, una novela de César Aira

La chica 100 por ciento perfecta, un cuento de Haruki Murakami

El Pescador de ideas, acerca de David Lynch:

La princesa y el hiyab

2010-11-21T14:16:00.004+01:00

Por un lado, la francia de Sarkozy se empeñaba, demagógicamente, en desvelar el rostro de las musulmanas como debate nacional (que no la crisis, desempleo, etcétera), por otro, un o una artista callejera se dedica a hiyabizar los carteles publicitarios, en especial, los del metro de París. El o la artista insiste en que no pretende marcarse política o religiosamente, que simplemente es "líder de un movimiento artístico" pero bien sabemos que no existe arte "inocente", y menos callejero. Su nombre: Princess Hijab. De hecho sus intervenciones urbanas empezaron antes del debate y su posterior ley del hiyab en Francia.

En una entrevista, Princess Hijab declara: "El Guerrilla-art es inocente y delictivo, antiguo y distópico, íntimo y político. Elegí el velo porque hace lo que el arte debe hacer: desafía, asusta y se re-imagina. He descubierto, también, que mis medios, el Guerrilla-art, presenta un misterio y una picardía que radica en su constante falta de discursos serios sobre le hiyab. Los términos hiyabización o hiyabismo siguen definiendo mi trabajo".

Sin duda, su arte rompe los esquemas de los carteles publicitarios, es inquietante pero a la vez apetece encontrarse con ese sabotaje a las falsas risas, cuerpos y poses que día a día intentan que compremos un poquito más. Sin duda, el metro de París es menos aburrido desde que tiene una princesa grafittera.

Para aquellos puristas del arte, quiero deciros que comparto con mi adorado César Aira su postura ante el arte nuevo: "Para mí lo nuevo tiene su importancia, es uno de los pocos consejos que yo puedo dar a mis jóvenes colegas, que no se esfuercen por ser buenos, por escribir bien, buenos escritores ya hay demasiados, buenos libros, no alcanzaría toda una vida para leerlos. Lo que queremos es algo nuevo, distinto, por lo menos le va a dar al mundo algo que no tenía antes".
Pues eso, que el arte magnífico ya está hecho, que hacer Las Meninas hoy en día no tiene sentido. Que lo diga Duchamp.

Ver vídeo de la entrevista de Aira.

El camino y su bifurcación

2010-11-17T17:42:00.001+01:00

Para 'En el camino', además de intentar entender la época

y el lugar donde vivo, también me pregunté acerca

de mi identidad y mis creencias.

Jasmila Zbanic

El segundo largometraje de Jasmila Zbanic (Sarajevo, Bosnia-Herzegovina; 1974), En el camino, cuenta la historia de una pareja con un hecho histórico en la memoria como telón de fondo: las consecuencias de la casi reciente guerra de Bosnia. Luna y Amar poseen trabajos un tanto cercanos, ella es azafata y él controlador aéreo. Ambos, enamoradísimos el uno del otro, son musulmanes no practicantes, de hecho, él tiene problemas de alcoholismo y viven juntos sin estar casados. La pareja avanza, tratando de enfrentar sus problemas, pero un giro inesperado hace que una decisión de Amar vaya poco a poco separándolos. No puedo adelantar si ambos salvan la relación, pero al mismo tiempo puede verse las heridas de la guerra, de las ciudades forzosamente abandonadas, las deudas con lo pasado. Aunque se toca el tema de la maternidad, no es ello sino un tema más que se une al conflicto de dicha pareja.

Las actuaciones de Zrinka Cvitesic (Luna) y leon Lucev (Amar)

son bastante destacables.

Zbanic teje una historia creíble, sus personajes son de carne y hueso, la historia avanza a veces por caminos intrincados, pero logra salvarlos. Quizá los últimos veinte minutos nuestra directora pierda fuelle, pero aún así la película se salva.
Comparto la opinión de Jordi Costa en que la directora condena a Amar, su personaje masculino, a partir de cierto punto de la película, pero a veces los narradores caen en esas debilidades, incluso lo hizo Cortázar en un bellísimo y triste relato Lugar llamado Kindberg.

Los conflictos que van apareciendo entre ambos

crea una brecha que se dispondrán salvar.

La película es recomendable, y a pesar de no ser una obra maestra (¿cuántas lo son?), bien vale la pena asomarse al universo de esta interesante directora bosnia, que en 2006 se hiciera con el Oso de Oro del Festival de Berlín por Grbavica, entre otros premios.

Unas interesantes reflexiones de la directora.

Teatro de andar por casa

2010-11-08T09:44:00.000+01:00

Mañana, nueve de noviembre se da inicio en Madrid al segundo Festival de Teatro Íntimo (FesTi). La propuesta de dicho festival, dirigida por Santi Senso, se inspira en diversas propuestas teatrales como lo han sido el teatro de los sentidos, de los sentimientos o el del silencio, por ejemplo. En ambas, lo íntimo predomina, la experiencia cercana con el hecho teatral, la creación que incluye desde olores a sabores, en le caso del teatro de los sentidos. Agrupando diversas filosofías de las que parten algunos teatros, dicho festival se realiza en casas particulares, siendo la casa la que se vuelve espacio de la representación y participación.

La programación (del 9 al 14 de este mes) puede verse en su página web. El aforo, como imaginarán, es limitado, así que hay comprarlas con cierta antelación. Dentro de la programación (tomada la información de Es Madrid) se contempla:

Casa en venta (Dirigida por Moisés Mato; jueves 11 y viernes 12, a las 21.00 h.): Esta obra, que combina humor y tragedia presenta una casa donde cada estancia evoca el pálpito silencioso de las víctimas de todas las guerras no declaradas.

ProtAgonizo en casa (Dirigida por Ester Bellver; jueves 11 y viernes 12, a las 21.00 h.): En esta pieza, una actriz mira su imagen frente al espejo de un camerino en el que verá los diferentes escenarios a los que ha subido en su vida, reviviendo los papeles que ha representado en el teatro.

El ojo mágico de la puerta (Dirigida por Carlos Javier Sarmiento; viernes 12, y sábado 13, a las 21.00 h.): Su argumento gira en torno a una pareja, en la intimidad de su casa, que no sabe que es vista y oída por el público. Normalmente, observar la intimidad es algo que está mal visto, pero aquí se puede mirar, se puede entrar, a través del ‘ojo mágico de la puerta'.

No amanece en Génova (Dirigida por Raúl Cortés; sábado 13, a las 21.00 h. y domingo 14, a las 20.00 h.): Esta obra trata sobre un rey que cada día mata al azar a once personas y que, ante el horror de su entorno, pide una sola razón por la que dejar de hacerlo. Cuando llega El Poeta, tratará de doblegar la lógica de la muerte mediante la poesía.

Cabaret íntimo (Creado e interpretado por Bruno Gullo y Kateleine van der Maas; sábado 13, a las 21.00 h. y domingo 14, a las 20.00 h.) El objetivo es convertir cualquier lugar en un Cabaret internacional; interactuando con diversos elementos de las casas. Los artistas, junto con los huéspedes, crearán un ambiente festivo, emocionante y familiar, repleto de música y espontaneidad.

Como en casa: (Dirigida por Santi Senso; sábado 13 a las 21.00 h.) es una propuesta con la que se pretende incomodar e incomodarse mediante la invitación de los inquilinos de una casa a un grupo de personas que participará en su vida cotidiana.

Parte de la experiencia de lo que se puede experimentar

en teatro de los sentidos. Imagen de El Mundo.

Para participar en los talleres que también tendrán lugar o para acceder a las entradas, se puede escribir a tifestival@gmail.com y/o adquirirlas en:

- Vestuarios Izquierdo
C/Amor de Dios, 13 local.
Metro: Antón Martín
Telf. 914299533
- Galeria Rina Bouwen
C/Augusto Figueroa, 17, 3º
Metro: Tribunal o Chueca.
Telf. 915222989

Al calor del sabor y las palabras

2010-11-02T14:12:00.005+01:00

Desacralizo la salud, las dietas y las buenas costumbres.

Hablo un idioma que cautiva al paladar

Carmen Mendoza Cámara

Hoy ha llegado a mi casa Al calor del sabor (México, 2009), una suerte de mezcla entre recetario mexicano, pequeñas crónicas y memorias, salpicadas de algún poema o narración. Su autora: Carmen Mendoza Cámara maneja la palabra y los fogones con gran agilidad. Su blog, Saborearte entusiasma tiene más de 120 seguidores de todo el mundo, y al igual que el libro, podemos asomarnos a su prosa fluida en la que predomina la cocina tradicional mexicana y parte de su cultura más allá de la culinaria.

El libro se compone en 12 partes a manera de calendario, en la que ciertas fiestas y temporadas van marcando los platos, lo que tocaría ahora en noviembre, por ejemplo, que se celebra tal día como hoy en México la fiesta del Día de Muertos, la receta del pan de muerto (ver imagen a la derecha), pero Carmen acompaña a su receta, además, por una historia magnífica llena de memoria mientras la abuela reza el rosario en el cementerio.

Os recomiendo el blog y el libro, pudiéndose comprar este último, escribiendo a sociedadamazona@gmail.com o si se está en México, directamente en:
-Restaurante Monte Kailas. Filosofía y Letras No. 17. Col. Copilco Universidad; Ciudad de México.
-Jardín Botánico Francisco Javier Clavijero. Km. 2.5 carretera antigua a Coatepec No. 351, Congregación El Haya. CP: 91070; Xalapa.
- Librería El Alquimista. Morelos 1b. Col. Centro.Querétaro, Qro.

El libro se aleja de los dogmatismos, es como una conversación entre fogones, y si bien algunos de esos ingredientes serían en muchos lugares difíciles de conseguir, hay recetas que están al alcance de nuestras tiendas de alimentos o que bien podríamos adaptar con un poco de astucia a nuestros ingredientes más cercanos. Como diría mi queridísimo Fatih Akin: comida para el alma.

Altar erigido por el Día de Muertos*, en la que se ve a la derecha

el pan de muertos como parte de la ofrenda a los difuntos.

*Imagen extraída del blog Ingas.

El cine a Bocados/ VI Parte

2010-10-20T17:53:00.008+02:00

‘American snack’

Para terminar nos asomaremos rápidamente al cine norteamericano, en el que claro, abunda su fast food, pero Tarantino lo recoge muy bien en Pulp fiction (1994). No en balde la película comienza y termina en una cafetería típica americana, y Mia (Uma Thurman) lleva a Vincent (John Travolta) a tomar batidos y hamburguesas en un restaurante con mesas dispuestas dentro de coches antiguos y camareros disfrazados de dobles de estrellas de los 40 y 50. Con ello le da coherencia al personaje, esposa de un mafioso, la cual no puede ser una mujer de gustos refinados. A ello se le suma la “filosófica” disertación de los dos gángster de algunas diferencias gastronómicas entre Europa y América:

– ¿Y sabes cómo llaman al cuarto de libra con queso en París?

– ¿No lo llaman cuarto de libra con queso?

– Utilizan el sistema métrico, no sabrían qué coño es un cuarto de libra.

– ¿Pues cómo lo llaman?

– Lo llaman una Royale con queso.

– Royale con queso.

- Sí, eso es.

- Aha... ¿y cómo llaman al Big Mac?

- Un Big Mac es un Big Mac, pero lo llaman Le Big Mac.

- Le Big Mac... ¿y cómo llaman al Whooper?

- No lo sé, no fui a ningún Burger King...

Más allá de las célebres escenas del día de Acción de Gracias, donde las familias suelen encontrarse para terminar aflorando las diferencias, y que abordaremos más adelante, sin duda alguna es la comida entre los italo-americanos, en el cine estadounidense, y en especial sus historias a cerca de la mafia, siempre están sazonadas con su gastronomía típica; aunque en la trilogía de El Padrino (The Godfather; Francis Ford Coppola; 1972; 1974; 1990), por ejemplo, el protagonismo de la comida se lo llevan las escenas de boda. Pero si hablamos de escenas memorables en este género hay que mencionar a Uno de los nuestros (Goodfellas, Martin Scorsese; 1990), en la que encontramos a un grupo de mafiosos encarcelados preparando una cena digna de reyes. Contrasta el austero escenario con la opulencia de la cena: cajas de vino, langosta, gruesos filetes de carne, escena más que suficiente del trato preferencial del que gozaba la mafia mientras sus miembros esperaban a ser liberados. De hecho, Scorsese pone en boca de uno de sus mafiosos algunos secretos de la salsa de tomate de su madre. El paso del trato de favores dentro de la cárcel, va siendo ilustrado a través de las comidas, poco a poco los alimentos que van consumiendo son más exquisitos y costosos.
Ver una de las escenas (en inglés).

Un café, hamburguesa y tarta de cereza

También las cafeterías aparecen perenemente las películas norteamericanas. David Lynch recurre a ellas con insistencia. Es curioso pero resultan tan frías e impersonales, que normalmente resaltan la soledad de los personajes o su intransitoriedad. Comparémolas con el modelo de café parisino, en donde se lee y se pasa el tiempo. La cafetería que aparece en la serie y en la película de Twin Peaks (1992) se ha hecho realmente célebre. Lynch no ha ocultado, y así lo revela su trabajo fotográfico, su amor por el pintor Edwar Hopper*, en cuyos cuadros abundan esas mismas carreteras norteamericanas, estaciones de gasolina y cafés. Todos esos paisajes parecieran remitir a la nada y, como se ha mencionado, a la soledad.

En Blue Velvet (1986) se dan cita Sandy y Jeffrey en un café para hacerse confesiones. En Mulholland drive (2001) Betty y Rita se encuentran en una de estas cafeterías, e igualmente aparece una inquietante escena en la que dos hombres discuten en un café, pero los espectadores no podemos oír de qué hablan. (ver esta escena). En el fondo, el director contrasta estos espacios por antonomasia "reales" con la más completa y dudosa realidad.

Vale citar The Loveless (1982; Kathryn Bigelow), el ya clásico musical Grease (1978) o Tomates verdes fritos (1991; Jon Avnet); pero la lista sería interminable, los hemos visto cientos de veces en sus películas... pero otro referente que tenemos del cine norteamericano y su comida son sus famosas cenas del día de Acción de Gracia (Thanksgiving day).

Antes de cerrar este apartado quisiera mencionar la escena de Delitos y faltas (1989) en la que Mia Farrow aparece con Woody Alen, almorzando una hamburguesa en el cine. Queda en claro el amor de ella. Halley, por el cine, al preferir ir al cine antes que ir a almorzar.

Cómo sobrevivir al 'Thanksgiving'

Si algún tema nos han presentado el cine norteamericano acerca de su cultura es la célebre reunión en torno al día de acción de gracias. En su mayoría, si escapamos del cine más ñoño o de alguno bastante singular, lo que es recurrente en dichas cenas, llevadas a la gran pantalla, es que el obligado reencuentro familiar se convierte en un ring de pelea; siendo la cena, un verdadero Macguffin para los reenfrentamientos de los viejos problemas irresueltos dentro de la familia. De las pocas célebres en que ello no es un terreno de peleas sino de gozo es en Hanna y sus hermanas (1986; Woody Allen). La historia se enmarca temporalmente entre dos Thanksgiving. Es hermosa una de las escenas en que las hermanas se dedican a los últimos preparativos de la cena, en donde la armonía y el buen rollo se dejan entrever.

Una magnífica escena de la cena, que tiene ese paralelismo con lo anteriormente mencionado, en la que se vuelve una verdadera fiesta fraterna alrededor del pavo y demás delicias, es la que aparece en Avalon (1990; Barry Levinson). Desde la perspectiva de unos inmigrantes (judíos, originarios de Polonia) presenciamos a una numerosa familia comiendo. La matrona espeta en medio de la cena del Thanksgiving: "Esta fiesta nunca la he podido entender... 'Thanksgiving'... dar las gracias a quién". La cena sirve para rememorar sus propias historias de inmigrantes, hay risas, discusiones laxas y algo de humor. Ver escena de Avalon (en inglés).
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Temas como la homosexualidad se ponen también en la mesa,

en ¿Qué se está cociendo?

Pero hemos afirmado que en su mayoría esta fiesta se vuelve un terreno de tensiones familiares y, aunque muchas películas que giran en torno al tema, destacaremos algunas pocas por singulares. Una de ellas es ¿Qué se está cociendo? (2000; Gurinder Chadha), la directora nos relata cuatro historias multiculturales y multiraciales en el día de acción de gracias. Es de destacar que podemos ver muchos detalles de las preparaciones. Ver tráiler (en inglés). En la conocida Brokeback mountain (2005, Ang Lee), los dos protagonistas, ambos casados, cenan con sus respectivas familias y en cada escena queda en claro los problemas familiares de ambos amantes y la fragilidad de sus relaciones. (ver parte de las escenas, en inglés). Del mismo director chino también es célebre su Tormenta de hielo (1997) y cuya cena de Acción de Gracias permite enmarcar a esta familia en un rito convencional, pero a medida que avanza la historia nos devela la hipocresía de sus "pilares". Es memorable cuando la joven hija le toca dar las gracias, antes de cortarse el pavo, y convierte dicho agradecimiento en un verdadero, aunque breve, discurso social. Ver la escena en inglés.
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En una secuencia en la que se llega hasta la violencia física aparece en Esencia de mujer (1992; Martin Brest). El protagonista llega sin ser deseado a esta cena e, irremediablemente, pone todo de cabeza (Ver escena en inglés). Jodie Foster dirigió A casa por vacaciones (1995), en la hay espacio tanto para el encuentro como las histerias o tristezas del desencuentro. Interesante película aunque quizá le falte redondez (ver escena del pavo, en inglés).

Otras películas para masticar
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El Gatopardo (1963; Luchino Visconti) y la suntuosa cena aristocrática.

Soul Kitchen (2009; Fatih Akin) la cual fue reseñada en este blog, en donde se mezcla humor y drama.

Estómago (2007; Marcos Jorge) galardonada con la Espiga de Oro 2008 del Festival de cine de Valladolid, una historia social que mezcla lo carcelario, el amor y la antropofagia. Muy recomendable.
Los amigos de Peter,(1992; Kenneth Branagh) en la que se dedican largas y deliciosas escenas en torno a la comida como espacio de celebración y encuentro de las amistades-

Desayuno en Tiffany's (1961; Blake Edwards); aunque breve, la sola idea de que esta mujer tome su desayuno frente a la famosa joyería es de una eficacia sorprendente: con este breve acto podemos saber mucho de la personalidad de Holly.
Lo que resta del día (1993; James Ivory). En esta película asistimos a una puesta en escena majestuosa en torno a la comida, desde la cena de los mayodormos, amas de llave y demás ayudantes hasta la aristocracia inglesa en tiempos de la Segunda Guerra Mundial. Ver una escena en inglés.

Si algo ha demostrado este recorrido es que pocas cosas se aferran más a la memoria como los olores y los sabores, la textura de los alimentos en la lengua o en la mano, el crujiente sonido al untar mantequilla sobre una tostada o al morder una manzana. Sensaciones culinarias que permanecen, haciendo cosquillas, en el paladar del recuerdo y que en el cine en ocasiones actúa como sabrosa guarnición de obras magníficas

Ya le tocará en algún momento a los maridajes del vino, postres, bodas, etcétera...
Los manjares están servidos, que empiece la película.

* Leer: Algunos referentes pictóricos de David Lynch; 2008, Jesús Ademir.

El cine a Bocados/ V Parte

2010-10-09T11:17:00.008+02:00

Asia se paladea

Al contrario que Occidente, si se revisa un buen número de películas asiáticas, encontramos que la comida y sus ritos están presentes con una naturalidad sorprendente. La mesa es espacio de reflexión solitaria o para encuentros familiares o sociales. Si la secuencia es dentro de una casa de familia es casi imposible que no aparezca la cocina o la mesa servida.
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La joven, de El camino a casa, prepara a su amado platos como símbolo
de su sentimiento y ejecuta esta tarea como si todo ese amor dependiera de ello.

En El camino a casa (1999; Zhang Yimou), la joven enamorada aparece cocinando siempre para su familia y su amado, le prepara viandas cada vez que éste parte, como símbolo de amor y cuidado que le es entregado. En El olor de la papaya verde (1993; Tran Anh Hung), las escenas de rasgo costumbristas se dejan entrever, contemplativamente, especialmente en la preparación de los alimentos.
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La película de Ang Lee es una de las joyas en cuanto al tema.

Un referente obligado es la película del director chino Ang Lee: Comer, beber, amar (1994), en la que se relata una historia familiar, con la tradición y modernidad como telón de fondo. El chef viudo Chu (Sihung Lung) reune cada domingo a sus tres hijas, haciendo del banquete no sólo un acto celebratorio y de amor, sino de comunicación profunda y rito de unión. He querido dejar de lado a los banquetes de boda, cuya aparición normalmente hace más hincapié en su función de rito social que gastronómico y que bien abarcaría un especial por su extensión.

En El sabor de la sandía (2005; Tsai Ming-liang) nuevamente se hace presente el binomio eros-alimento, en la transformación erótica de la sandía como sexo femenino, y también vemos una hermosa escena de cuidado y seducción en donde el joven Kang-Sheng Lee prepara una maravillosa cena a su amiga.
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Dos prostitutas conversan relajadamente con un policía que les acompaña

mientras comen, en La Calle de la vergüenza.

La filmografía del japonés Kenji Mizoguchi está repleta de escenas alrededor de la comida, y no precisamente en la que sus protagonistas son las geishas (allí aparecen acompañando a los señores a sus cenas, escanciando sake), sino en aquellas películas donde los personajes son gente corriente. En La calle de la vergüenza (1956), las prostitutas, como una gran familia, siempre se reúnen a la hora de la comida, y se vuelve un espacio tanto para la celebración como la pena, al igual que ocurre con las prostitutas de La mujer crucificada (1954). En Los amantes crucificados (1954), la joven sirvienta mima a su amo con la comida mientras él se dedica al trabajo, quedando en evidencia, para el resto de la servidumbre, su amor (prohibido socialmente) por éste.
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Escena en la que se remarca la soledad del personaje, en La Anguila.

Shohei Imamura también hace presente la comida como algo natural y como un acto de amor en La Anguila (1997). La joven ayudante de la peluquería prepara patatitas dulces para los clientes y se convierte en una cocinera amorosa; para contrastar su partida, aparece nuestro protagonista solo, en una mesa servida toscamente, remarcando la ausencia, la soledad y tristeza del personaje.

El esteticismo con el que Wong Kar Wai impregna sus películas,

se hizo hermosamente evidente en Deseando amar.

En la prolija filmografía del joven director surcoreano Kim Ki-duk no abundan las escenas donde la comida tiene gran importancia, pero cabe recordar El Arco (2005), cuando la joven en el barco destapa su solitario almuerzo, levantando un paño de seda violáceo, como si desnudase la pequeña mesa. Wong Kar Wai prefiere apostar por las atmósferas posibles de los restaurantes para remarcar el tedio, la cotidianidad y los espacios sociales que los personajes ocupan. Son telones de fondo, excusas para el encuentro. Hace transitar a sus personajes a través de tazones o cocinas humeantes y gente en movimiento: Deseando amar (2000), Chungking Express (1994) o 2046 (2004). Si olvidar los restaurantes sencillos, los puestos en la calle de fideos de Ángeles caídos (Duo luo tian shi; 1995) y una de sus más recientes y más fallida, con respecto a las anteriores, My Blueberry nights (2007).

Una escena de 2046.

El carácter urbano de Chungking Express contrasta con los

ambientes más íntimos de otras de sus películas.

El sabor del té verde con arroz (1952; Yasujiro Ozu); El último viaje del juez Feng (2006; Jie Liu); La Boda de Tuya (2006; Wang Quan'an; ) o El catador de venenos (2006; Yoji Yamada) son algunos otros títulos que podríamos mencionar donde la comida se hace presente en los espacios habituales de sus protagonistas.
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El hermano alimenta a la más pequeña, hermoso gesto del ofrecer los

alimentos como signo de cuidado, amor y mimo en La Boda de Tuya.

Una escena del El Sabor del té verde con arroz.

‘Tampopo’: primero observar el cuenco rebosante

Pero si hay una película que se convierte en verdadero homenaje a la comida y a todo lo que le rodea e implica es la japonesa Tampopo (1985; Juzo Itami), autoproclamada no sin humor como el primer noodle Western (western de fideos). Desde el inicio, sus propósitos son expuestos en una escena-epílogo: una suerte de gánster impolutamente vestido de blanco entra con su novia al cine, mientras le sirven en una pequeña mesa, con champán incluido. Poco después, el gánster amenaza ferozmente a un espectador que hace ruido con la bolsa de patatas, para dar comienzo a la historia.

El modesto restaurante de Tampopo y sus clientes habituales.

Dicha historia podría resumirse como el viaje iniciático hacia el aprendizaje de la preparación de la sopa de fideos. La complejidad y sencillez que encierra la cocina queda planteada en esta narración, acerca de la esforzada pero fallida cocinera Tampopo (Nobuko Miyamoto), de la mano de Goro (Tsutomu Yamazaki).

La serenidad del maestro contrasta en esta escena con la premura del aprendiz.

Goro es un cowboy urbano, y el clásico caballo es remplazado por un camión. Mientras lo conduce, su ayudante va leyéndole un libro, en el que un alumno le pregunta al maestro la manera adecuada de comer la sopa de fideos; conversación en la que se asoma ironía y humor hacia la ritualidad oriental, pero, que a su vez, da paso a la belleza, para entregarnos un diálogo inolvidable:

– Maestro, ¿primero la sopa o los tallarines?

– Primero observar el cuenco rebosante…

– Sí señor.

– Aprecia la armonía del conjunto, percibe el aroma… joyas de manteca, resplandeciendo en la superficie, brillantes raíces de shinachiku, algas, hundiéndose lentamente, cebolletas de primavera flotando… Concéntrate en las tres rodajas de cerdo, desempeñan el papel principal, pero permanecen modestamente ocultas. Primero acaricia la superficie con la punta de los palillos… para demostrar afecto.

Ver la escena de los fideos (con subtítulos en inglés)
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Sin duda, el cine asiático no ofrece también un erotismo original e intenso,

como esta escena que raya entre lo gracioso y una sensualidad poderosa.

Esta singular historia es acompañada por pequeños relatos en las que el hilo narrativo sigue siendo la comida. La risa, sensualidad y erotismo se entremezclan en sus intenciones, y la comida es la protagonista y la gran homenajeada. Unos indigentes charlan a la altura de los mejores críticos culinarios (se han hecho expertos de tanto recoger las sobras de los restaurantes); unos amantes preludian el encuentro amoroso con huevos crudos, miel y crema batida.

Una de las escenas más hermosamente eróticas.

Más adelante, una púber que recoge ostras se ve sorprendida por el despertar erótico: un hombre apuesto le pide que le venda una ostra. La joven accede, pero en el intento de morderla, el extraño se corta un poco el labio con la concha, la gota de sangre cae encima de la blanca y suave ostra; solícita, la vierte dentro de su mano para que él la coma sin cortarse, entonces lame la mano y come. Luego, la pescadora lame la sangre de los labios del hombre, una y otra vez, con absoluta delicia. Veo ahora posible una simbolgía entre lo que podría ser la pérdida de la virginidad: entre el molusco, la concha abierta con la carne fresquísima y la sangre que mana de los labios de él.

Ver la escena de la ostra (Sub. en inglés)
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Cabe destacar la hilarante escena, en la que asistimos a una clase (para aspirantes a mujeres refinadas) en donde les toca comer espaguetis a la vongolesa (occidente). Con afectación, la profesora aconseja coger uno o dos hilos en absoluto silencio (recordemos que en japón hacer ruido al sorber la sopa es la norma). Un comensal occidental, que está sentado en el salón, comienza a engullir de manera grosera su plato de pasta, y en pocos minutos, todas comienzan a imitarle como un referente más fiable, convirtiéndose en una total locura. Estas historias funcionan como una urdimbre en la que se sostiene este homenaje maravilloso y fresco a la gastronomía, y que sin duda, ilustra con las anteriores, la cercanía culinaria de los directores japoneses a la hora de narrar sus historias.

Ver la escena de la pasta (en japonés pero funciona igual sin entender, si se ha leido el párrafo anterior)

Próxima y última entrega: American Snack y Cómo sobrevivir al Thanksgiving

El cine a Bocados/ IV Parte

2010-10-04T23:34:00.004+02:00

Rozando el pecado

Una de las películas más memorables en cuanto al placer culinario se refiere es El Festín de Babette (Gabriel Axel; 1987), en la que los espectadores nos entregamos, al igual que los puritanos habitantes del pueblo, a los manjares sensuales que delicadamente prepara Babette (Stéphane Audran): caldo de tortuga y vino amontillado, blinis Demidoff con caviar negro, codornices rellenas de trufa negra… Sin duda alguna, en esta película, al igual como sucede en Como agua para el chocolate, queda retratado un rasgo fundamental: la cocina como un acto de amor, bien sea por seducción, agradecimiento o pura pasión por el placer gastronómico. La preparación amorosa y esmerada, la sabiduría para llevarla a cabo, transforma, aunque momentáneamente, las almas de quienes la saborean e ingieren, es decir, todo ello se llena del espíritu de quien cocina y llega al espíritu de los comensales. Es la alquimia absoluta del alimento que llega al cuerpo y el alma.

Bacanales, hambruna y canibalismo

Qué duda cabe que el guión de Azcona partía de una premisa bastante singular.

Muchas películas también han retratado ese pecado capital, hoy tan olvidado como tal, como la gula, siempre tan cercana a ese otro pecado: la lujuria. La gran comilona (1973; de Marco Ferrei y guión de Rafael Azcona) es uno de los mejores ejemplos de la mezcla, no solo voluptuosa del comer, sino también su poder destructivo una vez que se llega la exceso de la misma. Un grupo de burgueses planifican suicidarse, comiendo hasta reventar. Se hace inevitable la improvisación en tales planes (que no es más que la entrega al placer del desafuero), entrando en escena unas prostitutas como aperitivo para tal inusual, auto-destructiva y epicúrea empresa. Otra película, El séptimo continente (1989, Michael Haneke) también conecta con esta premisa del gran banquete para despedirse de la vida y como único signo de posible disfrute.
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El cocinero ante su plato-castigo.

Pero la bacanal también es escenario perfecto para las parafilias, relacionadas con el comer: canibalismo y coprofilia. Una mezcla degrandes manjares que deriva en los excesos morales de sus protagonistas. Como las que lleva a la pantalla Peter Greenaway en El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989), presentando las pasiones entre calderos humeantes y mesas, sazonado todo ello por los celos, para degenerar, finalmente, en canibalismo.
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Pasolini denunció el horror del poder sobre otros del que es capaz el hombre.

Pasolini también se hace eco de los excesos en Saló, o los 120 días de Sodoma (1975), en donde los jóvenes secuestrados son obligados, entre ritos de sexo y sadismo, a la coprofagía. Por otro lado, la mesa sirve de contraste a Pasolini para remaracar la violación de la norma, del orden de cosas, de la misma humanidad. Asistimos a una comida con manteles blancos, copas y vino, siendo el plato principal excrementos. Sin duda, el carácter chocante de algunas películas al incluir dichas escenas es deliberado, la denuncia o la transgresión, podrían ser acá algunas de sus tantas lecturas. No podemos olvidar una de las escenas más bizarras y escatológicas del cine: en Pink Flamingos (John Waters; 1972), Divine, al final de la película, recoge del suelo la caca de un perro y golosamente se la come, entregándonos una sonrisa soez y repugnante. Al mismo tiempo, no podemos tampoco dejar de mencionar la pasión de la madre de Divine, Edie (Edith Massey): devorar huevos en cantidades industriales.

Además del memorable personaje Hannibal Lecter (Anthony Hopkins) de El Silencio de los corderos (The Silence of the Lambs; Jonathan Demme; 1991), que adoraba comer el hígado de sus víctimas con habas o bien sus sesos, una de las mejores películas en la que se expone el canibalismo a través de un finísimo humor negro es la francesa Delicatessen (Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet; 1991). Y es que la hambruna de la guerra cambia a veces los valores éticos por la necesidad de supervivencia. El carnicero (Jean-Claude Dreyfus) es el encargado de llevar a cabo el trabajo sucio. Resulta memorable la cara compungida de éste, cuando le toca repartir en su carnicería, en trozos, los restos de su madre.
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Charlot se prepara a devorar su cena-zapato con una naturalidad asombrosa.

Pero mucho antes, la hambruna fue genialmente llevada a la pantalla por Charles Chaplin en La quimera de oro (1925). En el filme, Charlot degusta un zapato como si fuese un verdadero manjar y transforma la visión de su amigo en un pollo gigante. La escasez también es maravillosamente resuelta con las ranas de un pantano en la cinta de animación Les triplettes de Belleville (Sylvain Chomet; 2003), plato con el que las trillizas invitan a cenar a su huésped, tan pobre como ellas.
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Como colofón a la gula hay que mencionar El sentido de la Vida (Terry Jones y Terry William; 1983). Al principio, los peces de un restaurante ven desde la pecera cómo están devorando a un compañero en un plato, y se preguntan por el sentido de la vida. Más adelante, un cliente de grandes proporciones entra en el lujoso restaurante –convirtiéndose en una escena de humor que raya lo grotesco– y para comenzar a comer, éste solicita una cubeta para vomitar, ante el asombro y asco de los demás comensales, pero con la complacencia casi sádica del servil mesonero. El hombre revienta como un globo de tanto comer y al final podemos ver sus vísceras y órganos colgando de sus costillas, como si de un cetáceo se tratase.

Cabe mencionar El Satiricón de Fellini (1969) como un buen ejemplo que ilustra la voluptuosidad y excesos de las bacanales.

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Como antítesis de la gula aparece La vida es dulce (1991; Mike Leigh), en donde la anorexia se hace presente dentro del drama familiar o I'm a Cyborg (2006; Chan-wook Park), en la que una joven recluida en un psiquiátrico se niega a comer porque piensa que es un robot, dedicándose sólo, en contraste, a lamer pilas como vía de obtención de energía.
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Para concluir este apartado, no quiero dejar de mencionar el corto de Pedro Almodóvar, La Concejala antropófaga.(2009) En ocho minutos de casi un total monólogo, la relación comida-sexo-canibalismo queda patente dentro de un contexto de humor. La concejala, en su incontrolable verborrea, devora con igual fruición un flan como esnifa su cocaína. Todo ello acompañado por el relato de algunas anécdotas y fantasías sexuales: "Una de mis fantasías es comerme a un tío entero empezando por los pies. He llegado a meterme en la boca hasta el talón de un pie del 45".

Para ver el corto de La Concejala antropófaga

Otras películas recomendadas: Un toque de canela

Quiero agradecer a los amigos bloggeros que siempre me echan una mano con al memoria y comentarios enriquecedores: Viena, Sorokin, Os Bobolongos, Delikat Essences

Próxima entrega: Asia se paladea

El cine a Bocados/ III Parte

2010-09-28T13:27:00.000+02:00

Eros, fogones y chef

Un ejemplo de la cercana y posible relación voluptuosidad-cocina está presente en Como agua para el chocolate (Alfonso Arau; 1992), además de ser un atípico caso de una importante presencia de los fogones y la comida en el cine latinoamericano, la película transcurre entre esa historia de amor por la cocina y esa otra hacia su prohibido cuñado. Tita (Lumi Cavazos) transmuta su amor y pasión hacia éste, mientras prepara algún plato: se transforma así en un puente, un lenguaje, como las codornices con pétalos de rosas, en las que, en cada mordisco, los comensales pueden saborear el fuego de la pasión de Tita hacia su objeto de deseo. Así, sólo a través de esta rendija, los platos que exquisitamente prepara, logra tocar el cuerpo de su amado. El director recorre suavemente con su cámara, como si fuera un paisaje o el cuerpo de una mujer, la disposición de la mesa: el mantel, las copas, el color del vino, los platos y las caras de los comensales. Curiosamente, también es una de las pocas películas en donde aparece el sacrificio de la presa: la cocinera tuerce con avidez y con pena el pescuezo de las codornices.

Link de la receta de la pasión, en Como agua para el chocolate.

Otro caso latinoamericano, pero con un resultado lamentable es el de Mujeres arriba (Fina Torres; 1999), protagonizada por una recién descubierta en América, Penélope Cruz. Intenta hacer igualmente esa relación eros-cocina, pero la torpeza narrativa de la directora venezolana choca con la sutileza de dicho binomio. Al final, no es más que otra historia de autorrealización.

Marta trabaja ante la cocina como una autómata, el estrés hace

que disfrute poco su oficio.

Aunque muchas son las películas que parten de un guión en donde sus protagonistas son cocineros o chef, pocas llegan a transmitir ese halo especial en torno a lo alquímico de este oficio. En Deliciosa Marta (Sandra Nettelbeck; 2001), su protagonista es una chef brillante, quisquillosa y perfeccionista, que mide con la misma contención tanto los ingredientes para sus platos, como controla las emociones de su vida. Un nuevo chef italiano, vendrá a cambiar y a dotar de color la vida y platos del restaurante donde ella trabaja. Acá los dos chef representan dos extremos: la razón y la pasión. Dos cosas que sin duda debe tener un buen chef.

Deliciosa Marta está rodeada de apetecibles detalles en torno a la comida.

Vatel (Rolad Joffé; 2000) recrea un importante pasaje de la vida del mítico chef francés, en el que al servicio del Príncipe de Condé, prepara una gran cena, que durará tres días, para ganarse la gracia del Rey Luis XIV. Allí, queda recreado con suntuosidad y total lujo cómo pudo haber sido aquel banquete, todo ello desplegado de manera impresionante, con el fin de complacer al extravagante rey. En este caso, el banquete se convierte en una verdadera puesta en escena, en donde cualquier pirotecnia es poca: faisanes ricamente decorados, platos presentados como obras de arte, todo ello amenizado con teatro, música, baile y escenografías. Los manjares queriendo llegar al paroxismo a través de la belleza y los sentidos. Una vez más queda reflejado en esta película biográfica, los extremos de la autoexigencia cercana al oficio. Una pena que Depardieu se quede tan corto en interpretar la pasión y rigor de este afamado chef.

Una imponente cena familiar en Yo soy le amor.

Un chef enamorado (1996) también narra las pasiones de un chef y una princesa en la Georgia en la temprana década de los veinte. La directora Nana Dzhordzhadze mezcla con acierto los componentes de los alimentos y el eros en su estado más puro. La directora también deja entrever el carácter celebratorio y festivo que se agregan a los ritos en torno a la comida. Cabe mencionar, además, a una película más o menos reciente, Yo soy el amor (Luca Guadagnino; 2009). En ella, se teje el drama que desatará el amor entre un joven chef con una mujer de la alta burguesía italiana. Celebro que la película dé espacio para la belleza y voluptuosidad de los alimentos, así como sucede en Como agua par el chocolate, la aristócrata Allegra Recchi (interpretada estupendamente por Tilda Swinton), experimenta la seducción a través de los alimentos y un despertar a ese mundo sensual, en contraposición a su encorsetada vida. Podría citarse a El sabor del Edén (2006), de igual forma, como un magnífico ejemplo del amor, seducción y despertar del eros.

Ver tráiler de Un chef enamorado (inglés).
Ver tráiler de Yo soy el amor (italiano, Sub. Ing.) No sé por qué razón el tráiler en español es bastante malo.
Ver tráiler de El sabor del Edén (Alemán)

Pero sin duda, si el cine ha creado un chef encantador, este ha sido Remy. Toda una sorpresa resultó la película de animación Ratatouille (Brad Bird; 2007), en donde se incluye no sólo al chef, sino también la figura del crítico gastronómico. La comida es la protagonista absoluta: un ratoncito que se revela diferente al grupo y desarrolla un olfato extraordinario para los alimentos, lo que le da pie a experimentar con los sabores al cocinar; un verdadero canto a la cocina esmerada y el oficio. El crítico al final es despojado de su descomunal ego y se conmueve al recordar un sencillo plato de su infancia… la comida como memoria: en cada mordisco a su ratatouille, el crítico recuerda su infancia, su casa y el amor de los platos de la madre.

Próxima entrega: Rozando el Pecado/ Bacanales, hambrunas y canibalismo.

El cine a Bocados/ II Parte

2010-09-22T12:42:00.002+02:00

La mesa como descripción social

En Los limoneros (Eran Riklis; 2008), aparece al comienzo, en un primer plano, las manos de una mujer, cortando limones grandes y amarillos. Con agilidad, Salma (Hiam Abbass) prepara un brebaje, hecho de agua, especies y algo parecido a la guindilla. Se abre el plano y nos damos cuenta que los hace en serie…es decir, que seguramente los vende. En escasos minutos el director nos ha mostrado el oficio del personaje (alguien que vive de la tierra), a la vez que nos entrega datos de su cultura (para los occidentales una exótica receta) y de la posible posición social de la misma. Si trabaja en la cocina, por supuesto no es rica. Los referentes en torno a la comida son efectivos y nos aportan una gran cantidad de datos, como la austeridad o voluptuosidad de los personajes...

Con más frecuencia se utiliza como un retrato inmediato de la clase social. El cine de Woody Allen, por ejemplo, está repleto de escenas en las que los personajes cenan: el vino y las copas siempre están presentes, pero casi nunca vemos lo que comen. Ello le sirve al cineasta, como a muchos otros, para enmarcar, en este caso, la burguesía de sus personajes, pero nunca aparece como acto placentero y menos voluptuoso; como también lo hace Claude Chabrol.

Un almuerzo con mucho jaleo a la italiana en Amarcord.

Federico Fellini nos hizo entrega de una de las más largas y divertidas escenas alrededor de un sencillo almuerzo familiar. En Amarcord (1973), las discusiones a gritos entre plato y plato y la impasibilidad de algunos de sus comensales –lo que hace suponer que las discusiones son un hábito– consiguen un buen retrato del temperamento y cultura de la familia. Cabe también recordar Las noches de Cabiria (1957), en la que su protagonista, Cabiria (Giulietta Masina) nos atrapa desde su candidez y modales torpes, como ocurre en la escena en la que se encuentra con un famoso actor de cine. El mayordomo le trae un lujoso carrito con la cena: ¿La levanto?, pregunta ella mientras destapa los platos y come ávidamente aceitunas y luego pollo. Un poco de pechuga de pollo hace que se vayan los malos pensamientos, añade. Más adelante, Cabiria coge una langosta y le vuelve a inquirir al actor: ¿Y esto qué es? Me parece haberlo visto en el cine.

Cabiria muestra su espíritu diáfano y espontaneidad ante la comida.

En la película Roma (1972) de Fellini, es memorable la escena en que la gente del barrio se reúne para cenar en sus trattorías sencillas (ver un segmento), y claro está, si el director quería contar esa memoria de una Roma que él conoció y vivió, cómo no iba a incluir la comida. Nuevamente el ruido, los gritos y el jaleo es parte de esa comida, la gente suda, la abundancia en toda su voluptuosidad. Hay un cliente que le espeta a la dueña del restaurante: menos mal que había poco, estoy reventado. Ella le increpa: ¿Qué quieres, te parece mucho? Esta misma mujer le enseña al joven Fellini cómo tiene que comer los caracoles: puro erotismo en un solo y breve gesto.

El director Abdellatif Kechiche en su magnífica Cuscús, nos recrea también una típica familia de inmigrantes tunecinos, residenciados en Francia, que se reúnen en los almuerzos familiares, y en esos encuentros no solo asistimos a las diversas relaciones de unos con otros, sino que también somos testigos, entre bocados, a temas tan importantes como la experiencia de dicha familia como inmigración, las identidades que se conservan y las que se pierden. La cocina, al mismo tiempo se convierte en promesa, en un instrumento que se les presenta como posibilidad de supervivencia... quizá cambiar la suerte con un negocio familiar, abriendo un restaurante y vender el fabuloso cuscús de la matrona.

Tercera y próxima entrega: Eros, fogones y chefs

El cine a Bocados/ I Parte

2010-09-21T13:19:00.006+02:00

Hace algo más de un año publiqué en una revista on line el artículo El cine a bocados. Me propondré publicarlo acá por partes, un poco más actualizado, a fin de que muchos de los lectores que pasan por el blog, también puedan leerlo. En principio, nada más lejos de mi intención que dicho artículo sea un mero inventario de películas en torno al tema de la comida. Por momentos, además, dejaremos aparcado los argumentos referentes a bodas, repostería, vinos o café.

El cine a bocados

“Esto, más que un desayuno, parece un rompecabezas”

Groucho Marx en Una noche en la Ópera

Muchos de los que amamos el arte, tendemos al hedonismo. Ambos exigen educarse, bien sea a través de la intuición o de una búsqueda más formal. Ser sibarita (o esperar a serlo) es una de las inclinaciones más constantes. Si nos asomamos al mundo del cine surgen de pronto, algunos genios sibaritas: Coppola con sus viñedos y bodegas, Orson Welles y su majestuoso tamaño (lo que evidenciaba su gusto por los manjares) o el mismo Alfred Hitchcock, quien fue un gourmet confeso, y como queda reflejado en El libro de cocina de Hitchcock (del famoso crítico alemán Berndt Schulz), utilizó la comida como un modo diferencial de las clases a las que pertenecían sus personajes.

El cine como reflejo, invención o recreación del mundo ha sazonado muchas de sus historias a través de la mesa o los alimentos. Para intentar no divagar en un terreno tan vasto, dejaremos de lado el maravilloso apartado del vino, los dulces, además de los muchos documentales que se han hecho al respecto. Nos enfocaremos hacia las películas que hayan hecho de la mesa (o sus referentes) sus protagonistas, o bien aquellas que con maestría nos han dejado secuencias singulares y/o potentes acerca del tema. Cómo olvidar a Kim Bassinger en frente del frigorífico, comiendo olivas y fresas con los ojos cerrados en Nueve semanas y media (AdrianLyne; 1986), pocas películas han podido mostrar, de forma tan acertada, la seducción a través de la sensualidad de los alimentos.

¿Qué acto más cotidiano y potencialmente creativo puede compararse con el de comer? Es inevitable, al ser parte de una cultura, que los alimentos o sus ritos (compra, preparación, degustación, encuentros…) se diferencien en su tratamiento e interés, al abordarlos dentro del cine.

En el caso de España, es curioso que, siendo los españoles tan amantes y fieles a sus platos típicos, apenas se refleje en el cine su amor por ellos, sin mencionar sus vinos. ¿Quién recuerda una aceituna en la boca de algún actor español?

Fotograma de Tapas.

Y el cine español ¿come?

En la actualidad, esta característica se hace más evidente, aunque hayan sido estrenadas películas como Tapas (José Corbacho y Juan Cruz; 2005). En la que, pese a su título y la aparición del celebérrimo Ferran Adrià, siendo las tapas uno de los referentes más famosos de la comida española, aparecen reflejadas, pero sin naturalidad. Además, ¿dónde están los numerosos fumadores del bareto típico allí recreado? Mucho más natural se nos antoja la escena en que, Don Mariano prepara una última cena con Doña Conchi, disponiendo una frugal, pero exquisita mesa: cava, jamón, entre otros aperitivos.

Sería justo hacer un paréntesis con Jamón, jamón (1992), donde se incluye una lucha titánica con las patas de los jamones en la que se deja ver el torso desnudo hasta muy debajo de Javier Bardem, ya que, tal como afirma Vicente Verdú, la comida en el cine de Bigas Luna “está estrechamente vinculada al erotismo”, refiriéndose a la secuencia de Valeria Marini con unas anguilas en Bámbola (1996). Si bien los alimentos aparecen en el cine de Bigas Luna como un espejo del erotismo, los alimentos se transforman en símbolos, como un jamón-garrote o bien la anguila-pene. Pero en ambos casos, el erotismo no está asociado a su degustación a través del paladar. Por su parte, Fernando León de Aranoa ha agregado algunas escenas de comidas en familia alrededor de la mesa, para insertar sus personajes dentro de la verosimilitud de su entorno social y cotidianidad inherente, tal como lo hiciese en Familia (1996) o en la inolvidable Barrio (1998)*. Ver tráiler de Barrio.

El Ángel exterminador (1962).

Sí, en el cine de Luis García Berlanga aparecen paellas como icono Typical spanish, ese territorio cañí que más se conoce en el extranjero. Luis Buñuel la asoma de soslayo y le interesa más como rito y escenario social que otra cosa: recordemos las grandes cenas de El Ángel exterminador (1962). El discreto encanto de la burguesía (1972), o Viridiana (1961). Pedro Almodóvar también se hace eco, aunque escaso e intrascendente, de los fogones en algunas de sus películas, quizá tengamos muy presente como ejemplo Volver (2006), pero coincidimos con Daniel Vázquez Sallés, autor del libro Comer con los ojos, que en la mayoría de la filmografía española “no se come por placer”, y la cocina o el comer son de aparición escasa o irrelevante en sus secuencias o escenas.

Un guiño evidente a La última cena en una escena de Viridiana (1961).

(Segunda entrega: La mesa como descripción social)

*Texto agregado después de la publicación.

Adios a la mirada de Chabrol

2010-09-14T12:01:00.009+02:00

"...ahora todo es apariencia. Nunca se llega a la verdad,

porque detrás de una apariencia hay otra.

Son como las novelas de Agatha Christie, siempre hay sospechosos".

Claude Chabrol.

Tener más de medio siglo haciendo películas es una hazaña, pero si para colmo, la mayoría de esas películas eran buenas, ello significa todo un lujo y un placer para nosotros sus espectadores. Claude Chabrol (1930-2010) ha muerto este domingo 12 de septiembre. Entre otros epítetos, resalta como uno de los padres de la NouvelleVague.

Como director tiene 71 películas a sus espaladas, y casualmente, hace una semana vi la que fue su ópera prima: El bello Sergio (1958), rodada gracias al apoyo económico de su mujer, convirtiéndose esta película en su pasaporte para continuar filmando. Allí empiezan a dibujarse algunas de las que serán sus constantes: las provincias como un microcosmos; los dramas personales, las pasiones, poco le gustaban las películas corales, normalmente sus historias reposan en los casi siempre dramas de unos pocos personajes o simplemente en uno solo.

Chabrol no teme en llevar al límite a sus personajes principales, siendo este rasgo importante para dar verosimilitud a los mismos: por momentos llegan al ridículo, pueden resultar fascinantes, odiosos o débiles. Nada de super héroes o heroínas, gente que mete la pata y sufre, como la mayoría. Claro está que la burguesía era su blanco preferido, a ella dedicó buena parte de su filmografía, por no decir casi toda. Sus miserias y gozos retrató con ojo aguzado. (En la foto: vemos a Chabrol en frente a la cámara, durante el set de su primera película).

Isabell Huppert en un fotograma de Un asunto de mujeres.

El domingo hicimos en casa un pequeño homenaje, vimos una tras otra: Un asunto de mujeres (1998) y En el corazón de la mentira (1999). En la primera, Un asunto de mujeres, el director pone la lupa en una Francia ocupada por los nazis, y deja entrever la hipocresía de un sistema que, castigaba con mano dura a los delitos de unos pobres pero que, al mismo tiempo, no le temblaba el pulso para deportar niños y gente por su condición de judíos. Su actriz fetiche, la poderosa Isabell Huppert, una vez más, hace gala de su talento para dar forma a un personaje complejo: Marie. En la segunda, quizá más fallida, sabemos el gusto de Chabrol por mezclar drama con cine negro, el director nos lleva nuevamente a un pueblecito y, el asesinato misterioso a una niña, será el motor de las historias que se continúan, enmarcadas en una suerte de triángulo amoroso.

Sandrinne Bonaire y Jacques Gamblin: En el corazón de la mentira.

Es claro que los amantes de su cine lo echaremos de menos. Pocos podían hacer películas tan fluidas y complejas, tan aparentemente superficiales y densas. Su lucidez y capacidad creadora estaban intactas... sinceramente, cuánto sentimos su partida, Monsieur Chabrol.

En esta foto vemos a dos gigantes juntos, en la filmación de La década prodigiosa (1971). Allí, Orson Welles realiza en papel del multimillonario Théo Van Horn.

Reseña realizada en este blog de Una chica cortada en dos (2007)

Interesante página The Claude Chabrol Project, con un link de entrevistas (inglés)
Una entrevista en español.